Biografía / Biographies
Woody Allen. Un
neurótico de Brooklyn

Pablo Ernesto Arahuete

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El cine de Woody Allen - Reportaje a Woody Allen - "La rosa púrpura del Cairo" - Woody Allen ganó el punto y el partido - El ultimo “Match Point” de Woody Allen Textos sobre Cine - Ingmar Bergman: Vida de un genio

. Woody Allen de la A a la Z
. Discurso al recibir, en el 2002, el Premio Príncipe de Asturias


Para elaborar un perfil sobre Woody Allen se debería distinguir entre su ajetreada vida privada, cuyos datos abundan por Internet, y escarbar en su extensa filmografía para hallar características sobre su obra.

Un repaso sobre los hechos más salientes de su vida pueden sintetizarse de la siguiente manera:

Allen Stewart Konisberg, más conocido como Woody Allen, nació en Brooklyn (Nueva York) el 1 de diciembre de 1935. Martin Konigsberg, el padre de Allen, era joyero . Su madre se llamaba Nettea Cherry, y trabajaba de contable en una florería. En 1943 nació Letty, su hermanita y más ferviente admiradora.

Woody Allen definió a su propia familia como "una familia burguesa, bien alimentada, bien vestida e instalada en una cómoda casa". Este dato es significativo, dado que aunque gran parte de su humor se ha basado en sentimientos de desarraigo, padres descuidados y de mano larga: "En una ocasión me raptaron. Mi padre se puso enseguida en acción: alquiló mi habitación." "Mis padres no solían pegarme; lo hicieron sólo en una ocasión. Empezaron en febrero de1940 y terminaron en mayo de 1943", no son tan reales.

Durante su infancia vivió en Flatbush, un barrio de pequeñas familias burguesas, preocupadas por la seguridad económica y aferrados a sus propios valores.

Pasó casi desapercibido por la Escuela, con unas notas bastantes mediocres, sin muchos amigos.

Su interés rondaba entre los juegos de magia y prestidigitación, el cine, el jazz y el deporte.

El pseudónimo de Woody Allen recién apareció a los 16 años, cuando escribió chistes que enviaba a diferentes periódicos, obteniendo varias publicaciones.

Su primer logro como guionista se produjo con la NBC. Woody Allen apareció por primera y única vez en Hollywood, para relanzar la "Colgate Comedy Hour", programa de humor que pese al apoyo de Allen fracasó.

En Nueva York continuó colaborando con programas televisivos. Así obtuvo su primer premio , el "Sylvana Award" en 1957, que despreció al igual que lo ha hecho con los demás que ha recibido durante su carrera.

Su contacto directo con el público se produjo en un pequeño local, el Duplex. Pese a su primeros fracasos, Allen resistió, y fue acostumbrándose a aquél, y a hacer de su torpeza un elemento más de su personaje de antihéroe. Empezó a publicar historias en el New Yorker, y más tarde en otras publicaciones. Por fin, y tras una actuación en el local Blue Angel, le ofrecieron la oportunidad de hacer el guión de una película, el aceptó a cambio de 35000 dólares y de un papel como actor.

El primer contacto de Woody Allen con el cine se produjo en 1965, cuando se encargó de escribir el guión de un film menor What´ s up Pussycat, convirtiéndose en un ícono de los 60. Junto a su futura esposa Louise Lesser, Allen participó en 1966 en ¿Qué hay de nuevo Tigger Lily?. Una ingeniosa comedia, cuya historia gira alrededor de un thriller de espías con diálogos inteligentes y situaciones de enredos desopilantes, en las que Woody comienza a despuntar aquellos tics que luego se convertirán en su sello.

Su primer trabajo como director fue en 1969 con Robó, huyó y lo pescaron (Take the money and run). Comedia que parodia el estilo documental policial de la época. Ya en este temprano film, Allen anuncia su capacidad a la hora de trabajar detrás de cámara.

Cuenta la leyenda que el primer corte final del film contenía una secuencia de gran violencia, al estilo de la carnicería del final de Bonnie and Clyde. Esta secuencia era completamente ajena al resto de las secuencias del film.

A partir de ese momento, su carrera comenzará a despegar hacia la perfección, adquiriendo en cada una de sus obras la experiencia y madurez necesarias para transformarse en un cineasta único por su originalidad.

Comenzará escribiendo, actuando y dirigiendo comedias brillantes con altas dosis de sátira y parodia como en Bananas del año 1971, donde emula a un dictador de República tercermundista, similar a Fidel Castro.

Luego llegarán Todo lo que usted quizo saber sobre el sexo (pero no se atrevió a preguntar) en 1972. Un film estructurado en capítulos ,con gags desopilantes acerca de la concepción-con un Allen disfrazado de espermatozoide-, la castidad y la zoofilia.

En 1973 incursiona en la sátira mordaz hacia el pueblo americano con la metafórica historia futurista que propone El dormilón, donde Allen aparece como un androide subversivo que se rebela frente al sistema.

En La última noche de Boris Grushenko (love & death), de 1975,Woody pule su personaje emblemático del judío problemático de Manhattan, involucrándolo en situaciones absurdas y apuntando siempre a la sátira social, su sello distintivo.

En 1977 concretará su primer film importante y bisagra en su abultada filmografía, con la entrañable Annie Hall. Esta sería la primera parte de una historia que refleja bajo una mirada reflexiva, seria y profunda, un romance urbano moderno.

Aquí, además, encontraría una química perfecta con su co-protagonista Dianne Keaton. Por esta obra, Woody Allen fue premiado con un Oscar por su dirección y compartió otra estatuilla con Marshall Brickman por el guión, además de ser nominado como mejor actor. Desde ese momento, sus películas comenzarán a ser más serias como es el caso de Interiores en el año1978. En este film es manifiesta la influencia del cine de Ingmar Bergman, desde la composición del cuadro y su puesta en escena, (que contó con la colaboración del director Joël Schumagger), hasta el tratamiento de la imagen. Este es uno de los films de Allen donde no se lo ve actuar y tal vez su obra más hermética. A pesar de su escaso éxito comercial, el neoyorkino fue nominado para los premios Oscar en la categorías de guionista y director. Para Allen, este film fue importante porque le brindó las herramientas necesarias para mezclar drama y comedia.

En 1979 , consigue equiparar el éxito artístico con el comercial, cerrando su historia de amor moderna en el film Manhattan. Rodada íntegramente en blanco y negro en la ciudad de Nueva York y acompañada de la música de Gershwin.

En 1980, con el debut actoral de la ignota Sharon Stone, Allen ridiculiza sus primeros trabajos elaborando un cándido retrato del acerbo de sus film con Recuerdos de Stardust. En 1982 vuelve a cargar las tintas con el sexo en su film Comedia sexual de una noche de verano, donde mezcla elementos oníricos con elementos reales.

Lo mágico reaparece en 1983 con Zelig, film en el que representa a un ser humano camaleónico gracias a deliciosos pases mágicos.

En 1984 , Woody Allen filma Broadway Danny Rose, un thriller en clave de comedia donde rinde un homenaje al mundo del espectáculo y recibe dos nominaciones al Oscar por su dirección y guión. En esta oportunidad encarna el rol de un agente de Broadway que sólo representa a artistas mediocres. Aparece Mia Farrow en escena.

En 1985, nos brindó la genial La rosa púrpura del Cairo, elegida como su película favorita por el mismo autor. En este film ensaya una reflexión sobre la receptividad en el cine, jugando con el mundo ficcional y el real simultáneamente y homenajeando al cine americano de las comedias de teléfono blanco. Resalta la actuación de Mia Farrow . Recibió una nominación al Oscar por su guión .

En 1986 realiza Hannah y sus hermanas, film que narra las desventuras sentimentales y familiares de tres hermanas de contrastados caracteres, junto a un realizador de televisón hipocondríaco (Allen) y algunos guiños familiares: Mauren O´Sullivan (Jane en Tarzán) y Mia Farrow son madre e hija en la película y en la realidad.

Por medio de flahbacks así como la utilización de viejas películas mudas para separar las escenas por capítulos subtitulados, nos cuenta los amores de las hermanas, sus aventuras y desventuras, hasta llegar al más optimista y tolstoliano final en el Día de Acción de Gracias. Por este film obtuvo tres Oscar: guión original, actor secundario (Michel Caine), actriz secundaria (Dianne Wiest). Además recibió cuatro nominaciones como director, película, dirección artística y montaje.

En 1987, en Días de radio, homenajea a los programas radiales de su infancia y a través de una historia que se desarrolla en un pueblo repasa momentos de su niñez .

Con Septiembre, de 1987, muestra un drama intimista sobre las experiencias de un grupo de personas que comparten sus últimos días de vacaciones de verano en una casa de campo. Nuevamente puede apreciarse la influencia de Bergman dada la puesta en escena del film en el interior de la casa. Insatisfecho con la primera versión del film, volvió a rodar Septiembre sustituyendo a algunos actores. Así, Maureen O´Sullivan, Sam Shepard o Christopher Walken filmaron algunas escenas que fueron rechazadas por Allen. Mia Farrow es la deprimida hija de una ex-estrella, a cuyo amante mató siendo niña. Un argumento con resonancias de la historia verídica de Lana Turner y su hija de 14 años Cheril.

En 1988, continúa con sus películas profundas, en este caso, La otra mujer, adentrándose en la psicología femenina. No fue bien recibida por la crítica y por la taquilla.

En 1989 rodó Crímenes y pecados , tal vez su película más completa. En ella elabora un enfoque existencialista sobre el bien y el mal, utilizando como excusa el crimen pasional. Con excelentes actuaciones de Martin Landau y Angelica Huston, recibió tres nominaciones al Oscar por guión, director y actor secundario (Martin Landau)

Con Alice , en 1990, Mia Farrow se luce en un brillante film , donde el tema principal es el vacio de amor en la vida cotidiana de los personajes. La interpretación de Joe Mantegna es memorable, como así también los guiños desde el guión hacia el psicoanálisis.

En 1992, con Sombras y niebla, Allen nos transporta en su argumento hacia su trabajo más extraño. Encarna a un tímido empleado al que obligan a participar en una patrulla de barrio, para detener a un asesino en serie que actúa sólo de noche por las calles de la ciudad. Las circunstancias harán que lo confundan con el maníaco estrangulador. Su huída lo lleva hasta un circo en el que trabaja Madonna, una voluptuosa contorsionista. Este film es una alegoría del nazismo y del cine expresionista alemán. Basada en su obra de teatro Muerte y rodada en blanco y negro, la acción transcurre durante una única noche, en una ciudad europea, en una época indeterminada. Es un homenaje al cine de Fellini y a la literatura de Kafka.

En 1992 bajo el título de Esposas y maridos, narra las relaciones entre varios personajes a partir de la separación amistosa de una de las parejas que deciden oxigenarse buscando nuevos rumbos. El personaje que interpreta Allen siente atracción por una joven alumna y su mujer por otra mujer, (Judy Davis). Allen /Farrow extrapolan en su duelo actoral su vida privada. Estructurado como un pseudodocumental, el neoyorkino, filma con cámara en mano, en secuencias en su mayoría muy cortas, en las que un cineasta invisible entrevista a cada uno de los personajes, consiguiendo en su totalidad un ambiente intimista. Recibió dos nominaciones al Oscar: guión y actriz secundaria (Judy Davis)

Con Misterioso Asesinato en Manhattan, de 1993, se luce como maestro absoluto al realizar una comedia de misterio que es un homenaje a Hitchcock y a Orson Welles, donde la sospecha recae en un vecino a quien se le atribuye el crimen de su mujer y donde la pareja protagónica (Allen/Keaton) , se reciben de detectives por correspondencia y deciden investigar el supuesto crimen, produciendo con ello una comedia hilarante.

En 1994, Disparen sobre Broadway , cuenta la historia de un escritor aficionado de teatro , cuyas características son particulares dado que es un mafioso de los años 20.

En 1995 con Poderosa Afrodita, extrapola un coro de tragedia griega en una extraordinaria comedia, en la que interpreta a un periodista deportivo intrigado en conocer a los padres de su inteligente hijo adoptado. Con incredulidad descubrirá que la madre real del niño es una bella prostituta y actriz porno (Mira Sorvino) carente de atributos inteligentes. Con este film Mira Sorvino recibió un premio Oscar.

Todos dicen te quiero, del año 1996, es una película completamente alejada del estilo del director. Con un deslumbrante despliegue actoral, este musical es un homenaje al género y seguramente su obra más ligera y sentimental.

Auto referencial hasta en los más mínimos detalles, en los Secretos de Harry , de 1997, con notas autobiográficas, interpreta a un escritor homenajeado por la universidad que en el pasado lo expulsara. Allen pretendió en un primer momento subtitular la película como El peor hombre del mundo, ya que, como él mismo dijo, "Harry es un tipo desagradable, vacío, superficial y obsesionado sexualmente. A pesar de esto, reconoció que el personaje de Harry expresa sus ideas filosóficas y sus pensamientos acerca de las relaciones humanas, como así también reflejan sus opiniones sobre religión. Lo anecdótico de este film es que Allen pretendía no protagonizarlo y deseaba que su papel fuese interpretado por Dustin Hoffman o Robert de Niro, pero sus agendas lo impidieron. En la película se suceden un sinfín de escenas, independientes entre sí pero a la vez conexas, en las que con cada personaje Allen nos va revelando (o desmontando) la vida de este escritor .Quizás ésta sea su mejor película como director

En su sexta película en blanco y negro , Celebrity de 1998 , realiza un drama con toques de comedia. Cuenta la historia de una pareja divorciada, en la que Branagh y Judy Davis intentan encontrarse a sí mismos en este mundo de locos donde todos quieren ser famosos. Kenneth Branagh interpreta al típico personaje de Allen: inseguro, patético, sexualmente inepto, por lo que será difícil no ver en él al propio Woody .

Se despide del siglo, con la interesante Dulce y Melancólico. La película, rodada en estilo documental como ya hiciera anteriormente en Zelig, cuenta la historia de un guitarrista de Jazz, considerado el segundo mejor guitarrista del momento. Una gran interpretación de Sean Penn, donde oscila su crueldad con su sensibilidad a la hora de rasgar las cuerdas de la guitarra y acompañado de una desconocida Samantha Morton, en un papel que recuerda al mejor mudo del cine (Harpo Marx), y con el propio Allen que aparece como un crítico. Recibió nominaciones al Oscar por mejor actor principal (Sean Penn) y mejor actriz secundaria (Samantha Morton).

En el año 2000, con Ladrones de medio pelo, tal vez su película más floja, elabora una trama de comedia para criticar a los nuevos ricos. Se repite en algunos gags y recurre a sus viejos tics. Protagonizada por el propio Allen, narra las desventuras de una pareja obrera de Nueva York, que pretenden salir de su mediocridad robando un banco. Los preparativos y los problemas que se producen con su banda darán lugar a situaciones de lo más hilarantes al más puro estilo del Allen cómico.

Sumando a esta prolífica trayectoria un dato poco conocido es la participación de Woody Allen en el film experimental de Jean-Luc Godard, el Rey Lear en 1987, como así también su incursión en Escenas en un centro comercial junto a Bette Midler en 1991 y junto al actor Peter Falk en una adaptación de un clásico de Neil Simmon llamado Sunshine boys, de 1995, además de haber participado en Don't drink water obra de teatro escrita por Allen adaptada a la pantalla chica en 1994


Zoom en 35mm

Los temas recurrentes en las películas de Allen y las características que determinan su sello son: protagonistas obsesionados con la muerte, películas de Bergman, el sexo, la religión, los judíos y el exterminio nazi, el psicoanálisis, temas sobrenaturales. A menudo habla directamente a la cámara; suele interpretar a directores de cine o a escritores o periodistas.

En sus films prácticamente no emplea actores de color y esto se debe a que suele escribir sobre temas que conoce: escritores, directores, de clase media-alta de Nueva York, especialmente sobre judíos.

No puede tildárselo de racista, pues en varias ocasiones ha reconocido su admiración por atletas y artistas de color (particularmente músicos de jazz), pero no le gusta escribir sobre culturas que no conoce, por lo que los personajes de color en sus películas no se prodigan.

Por otro lado entre sus ídolos a los que él siempre hace referencia en sus películas implícitamente se destacan: Anton Chekjov, Groucho Marx, Federico Fellini, Ingmar Bergman, Cole Porter.

Sus comienzos en el cine dejaron claro que, si bien era un gran cómico, como director habría que esperarlo. Eso es verificable al ver películas como Casino Royale, una parodia de las películas de Bond, James Bond..

Si sólo se observara la superficie, en el caso de Allen, podría aventurarse que su cine es autorreferencial porque el neoyorkino encuentra la excusa perfecta para hablar sobre su vida, su infancia en Brooklyn, sus obsesiones y miedos reflejados en los antihéroes que compone o delega en otros como en Celebrity y su alter-ego interpretado por Kenneth Branagh.

Sin embargo, al sumergirse y bucear en su obra se pueden detectar aspectos que en la superficie permanecen ocultos: Allen es un cinéfilo y en todos sus trabajos hace referencia a films, ya sea por medio de citas, homenajes como en Sombras y niebla con el expresionismo alemán o al cine de Bergman con Interiores, entre otras.

Uno de los sellos distintivos de sus films es la elección ecléctica de los temas de jazz que dejan manifiesto su refinado gusto musical y no así su destreza a la hora de ejecutar el clarinete como queda plasmado en el documental Blues de un hombre salvaje.

Aunque algunos críticos lo tilden de repetitivo o efectista, sobre todo en sus últimos films, lo cierto es que el universo cinematográfico de Woody Allen resulta todavía hoy insondable. Por eso, podría decirse que todas sus películas no son más que secuencias de una sola, extensa, compleja y afortunadamente inconclusa obra maestra que trata de explicar la complicada existencia humana.

Tal como alguna vez dijera François Truffaut , acerca del cine, "uno siempre filma la misma película con la que comenzó su carrera", el neurótico de Brooklyn está muy lejos de exclamar a los cuatro vientos la frase:"Corte, se imprime"

Frases célebres

LA MUERTE: - "No me da miedo morir, pero no me gustaría estar presente cuando ocurra"

- " Existe el Infierno?, Existe Dios?,Resucitaremos después de la muerte?, Ah, no olvidemos lo más importante: Habrá mujeres allí?"

SEXO: - " El sexo es lo más divertido que se puede hacer sin reir".

-" El sexo únicamente es sucio si se hace bien"

-" El cerebro es mi segundo órgano favorito"

-" La última vez que estuve dentro de una mujer fue cuando visité la Estatua de la Libertad" .

-" Masturbarse es hacer el amor con alguien que amo"

EL UNIVERSO: -" Puede el hombre conocer el Universo?, Dios santo, no perderse en Chinatown ya es bastante difícil"

EL PSICOANALISIS: -" Hace quince años que voy al psicoanalista. Le concederé un año más y luego me iré a Lourdes"

- ( En la película ZELIG )" Trabajo de psiquiatra: actualmente estoy tratando a dos parejas de hermanos siameses que sufren de doble personalidad: Me pagan 8 personas."

LA FAMILIA: -" Mis padres no solían pegarme; lo hicieron una sola vez: Empezaron en Febrero de 1940 y terminaron en Mayo del 43..."


Videografía recomendada
:

Todo lo que usted quizo saber sobre el sexo ... (1972) ****
El dormilón (1973) ****

Annie Hall (1977) *****

Interiores (1978) ****

Manhattan (1979) *****

Zelig (1983) ****

La rosa púrpura del Cairo (1985) *****

Hannah y sus hermanas (1986) *****

Días de radio (1987) ****

Septiembre (1987) ****

La otra mujer (1988) ****

Crímenes y pecados (1989) *****

Alice (1990) ****

Sombras y niebla (1992) ****

Misterioso asesinato en Manhattan (1993) ****

Disparen sobre Broadway (1994) ****

Poderosa Afrodita (1995) ****

Los secretos de Harry (1997) *****

Celebrity (1998) ****

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Woody Allen de la A a la Z - Minerva Liste


Amores: Los amores de Woody Allen están estrechamente ligados a sus películas. Después de un corto matrimonio con Harlene Rossen, mantuvo relaciones con Mariel Hemingway, Diane Keaton y Mia Farrow. Ellas han protagonizado sus películas, y incluso le han inspirado en alguno de sus personajes. Soon-Yi, hija de Mia, es su última "adquisición" (están juntos desde 1991 y recientemente han incorporado un niño a la familia).

Bananas: Es su segunda película después de Toma el dinero y corre (Take the money and run). Precisamente por eso se sentía más confiado, pero también más decidido que nunca a corregir todos los errores cometidos anteriormente, para que todo resultase divertido y rápido. El tema de situación revolucionaria en un país latinoamericano es tratado con un tono puramente humorístico, hasta más adelante Allen no adoptará nuevos registros narrativos. Como curiosidad para los que no la hayan visto, hay que mencionar la aparición de Stallone en el papel de macarra.

Cine: La afición de Woody por el cine nació muy pronto. Tenía siete años cuando Nettie, su madre, le llevó a ver "La ruta de Marruecos", de Bob Hope. A partir de aquí, el cine se convirtió en su escuela. Iba muy frecuentemente, a veces escapándose de clase con su amigo Mickey Rose..

Dylan: Hija adoptiva de Allen y Mia Farrow. En el contexto de las discusiones de la ex-pareja han aparecido unas acusaciones de Mia respecto a un posible abuso sexual de Dylan por parte del conocido cineasta.

Europa: El público europeo ha sido el salvavidas de Woody Allen, mientras que en Estados Unidos no siempre han apreciado su cine. "To Woody Allen from Europe with love" (documental producido por la televisión belga en1980, que muestra el proceso fílmico de realización de la película "Stardust Memories").es un ejemplo claro de la admiración europea. Y es que ya se sabe: nadie es profeta en su tierra.

Fama: Ya había dirigido diversos filmes y llegó Annie Hall, película muy distinta a las anteriores y que sorprendió agradablemente tanto a la crítica como al público. Annie Hall le proporcionó cinco Oscars y una merecida fama.

Groucho Marx: Pese a que él y Woody Allen tienen un estilo diferente, Marx ha sido siempre admirado por Allen. Éste siguió sus películas desde niño e incluso, según él mismo afirmó, llegó a conocerle en persona bastante bien. Las referencias a Groucho son frecuentes en sus filmes. Así, en Toma el dinero y corre (Take the money and run), los padres de Virgil Starlewell aparecen disfrazados del genial cómico. También es destacable el inicio de Annie Hall, con una célebre frase de Groucho: "Nunca querría

Hannah y sus hermanas: Pese a que al llegar a esta película Allen tenía ya a sus espaldas una gran cantidad de ellas, esto no le impidió seguir experimentando y abriendo nuevos caminos. Algunos cambios fueron obligados, como la sustitución del director de fotografía Gordon Willis (que trabajaba en otro film) por Carlo di Palma. Otras innovaciones, en cambio, eran antiguos deseos del director, como usar encabezamientos en los capítulos o trazar un relato colectivo, sin protagonistas (esto lo repetiría más adelante en otros guiones).

Ingmar Bergman: Después de la Segunda Guerra Mundial empezaron a llegar a Estados Unidos algunas películas europeas, las que se consideraban mejores. Llegaron, entre otras, películas de Bergman como Un verano con Mónica y después Noche de circo, que cautivaron a Allen por completo. Es un gran admirador del director sueco, e incluso una vez llegó a conversar con él en persona, cenando en un hotel de Nueva York. Desde entonces han mantenido contacto por teléfono, según asegura el mismo Allen.

Jazz: Siempre se ha declarado admirador de este género. Se aficionó en 51 escuchando los discos de su gran ídolo "Sidney Bechett". A partir de ahí, aprendió a tocar el clarinete. Ha realizado varios conciertos con su grupo "The New Orleans Funeral and Ragtime Orchestra"y tiene por costumbre actuar los lunes por la noche en el pub Michaels. Su recién estrenada película ,"Sweet and Low Down", trata precisamente de la vida de un grupo de jazz.
Keaton
es una espinita clavada en el corazón de Woody. Mientras él insiste en afirmar que Chaplin le parece más divertido, los críticos siguen empeñados en asociarlo a Keaton. Y es que la incomprensión y la poca fortuna con las mujeres parecen características muy ligadas a los personajes de ambos actores.
Lujo
: La vida de Woody Allen es muy diferente al estilo de vida de la mayoría de las grandes estrellas de Hollywood y sus enormes mansiones y cristalinas piscinas climatizadas, esenciales para relajarse después de un duro día de trabajo. Woody Allen es mucho más humilde. Su sala de proyección privada, donde recibe a los periodistas en Nueva York, es un lugar sin mobiliario, con la única decoración de unas largas estanterías llenas de discos. Eso no quiere decir que no se permita algún caprichillo...

Manhattan: Al inicio de la película titulada precisamente Manhattan Allen pone en boca de su personaje toda una declaración de principios sobre esta isla, su lugar preferido. Por eso no es de extrañar que más de una (y de dos) de sus películas estén ambientadas allá.

Nettie Cherry es la madre de Woody Allen. Cuando Allen le dijo a su madre que quería ser humorista ella le contestó : "te crees muy listo, ¿verdad?". Lo cierto es que Nettie infravaloró la inteligencia de su hijo, porqué llegó a ser muy listo y a triunfar como humorista. Supongo que sí en ese momento Nettie hubiera conocido el futuro exitoso de su hijo se hubiera mordido la lengua.

Orion es la productora financió las películas de Woody Allen realizadas durante la década de los 80. En 1982 formalizó el contrato con la productora; y lo rescindió en 1991. Las películas producidas por la Orion son: "A midsummer night’s sex comedy", "Zelig", "Broadway Danny Rose", "The purple rose of Cairo", "Hannah and her sisters", "Radio Days", "September", "Anther woman", "Woody Allen,88", "Crimes and misdemeanors" y "Alice".

Psicoanalista: Esta parece ser una palabra clave en las películas de Woody Allen. Muchos de sus personajes son asiduos al psicoanálisis, ya sea con un doctor real o utilizando al espectador como psicólogo improvisado, al que contar sus penas y problemas. De hecho esto (como tantas otras cosas en las películas de Allen) puede parecernos exagerado, sin embargo no deja de ser un reflejo de la sociedad americana, que frecuenta el diván casi tan a menudo como el supermercado.

Querer saber sobre sexo, eso es lo que le pasa a la gente. O al menos eso pensó el doctor David Ruben, y por ello escribió un libro titulado Todo lo que usted siempre quiso saber sobre el sexo y nunca se atrevió a preguntar, en el que contestaba todas las preguntas que alguien pudiera hacerse. Woody quería una idea, y allí la tenía. Compró los derechos del libro y realizó la película del mismo titulo, dividida en divertidos capítulos que tomaban por título algunas preguntas del libro. Curiosamente, al doctor Ruben no le gustó.

Racismo: En sus películas no salen prácticamente nunca gente de color. Y no es porque sea racista. A Woody le gusta escribir sobre lo que conoce, y por eso la mayoría de sus protagonistas son blancos neoyorquinos de clase media-alta neuróticos. De la misma manera nunca ha escrito sobre una familia irlandesa o italiana.

Sweet and Lowdown es su actual estreno. Woody Allen nos propone este año una película que muestra el mundo de jazz desde el punto de vista de los intérpretes. No desvelaremos el secreto. Esperemos que no nos decepcione...

The New Yorker: Es una revista de una gran altura literaria en los Estados Unidos, en la que muchos desearían publicar sus trabajos. Woody lo consiguió a la primera y ha seguido escribiendo desde entonces. Estas mismas historias fueron luego publicadas en forma de libro, bajo títulos como ¿Cómo acabar de una vez por todas con la cultura?, Perfiles y Sin Plumas.

Único: Es una de las palabras que mejor definen a nuestro genial director. Y es que pese a todas las influencias que pueda tener, lo cierto es que nadie ha hecho películas como las suyas, y desde luego nadie las está haciendo en este momento. Eso sí, su estilo influye en muchos guionistas que le admiran. No hace mucho, por ejemplo, Matt Damon y Ben Affleck (guionistas de El Indomable Will Hunting - Good Will Hunting -) mencionaron entre sus influencias a Allen.

Venecia: No es su ciudad preferida. Ésta es, claro, Nueva York. No obstante Venecia ha podido significar para Woody Allen una liberación. Después del grave escándalo matrimonial en el que se vió metido el cineasta, tuvo que refugiarse en Venecia para poder estar tranquilo con la persona a quién quiere. No se sabe si las góndolas crearon gran admiración en Allen. Lo cierto es que es vergonzoso que una persona tenga que viajar hasta la otra punta de mundo para poder estar tranquilo.

What's new, Pussycat? (¿Qué tal, Pussycat?) fue la primera experiencia como guionista cinematográfico de Woody Allen. Y fue también, si creemos sus palabras, la que le llevó a convertirse en director "como autodefensa". Le gustó tan poco el modo de trabajar de los productores y el resultado final de la película, que decidió dirigir sus futuros guiones para evitar que alguno de ellos volviese a caer en manos de alguien que no supiese que hacer con él. Después de esto, el único guión suyo que no ha dirigido es Sueños de seductor (Play it again, Sam), pero fue porque el mismo decidió no hacerlo. Eso sí, aparecía como actor, igual que en Casino Royale, La tapadera (The front), King Lear y Escenas de una galería (Scenes from a Mall</!> ). Sin olvidar su papel en Hormigaz (Antz), donde prestaba su voz a una hormiga sorprendentemente parecida a más de uno de sus personajes.

"X"- La gran incógnita de Woody Allen es: ¿ Cómo hace que las relaciones de pareja extrañas y poco comunes que dibuja en sus filmes, nos resulten a nosotros tan tremendamente comprensibles y atractivas?
You
: Eso es lo que todos dicen, "I love you", te quiero. Se podrá decir muchas cosas de Allen, pero no que es un cobarde. Para muestra, un botón: no sólo realiza un musical en un momento en que pocos irían a verlo sino que además él mismo canta ¡sin que le doblen!. De hecho, igual que la mayoría de actores que intervienen en la película (sólo Drew Barrymore fue doblada, ya que incluso Woody consideró que su voz era inaceptable). Independientemente de que nos guste o no el argumento, no deja de ser una curiosidad ver a Julia Roberts o Goldie Hawn cantando.

Zelig es una película que dirige e interpreta en 1983. El protagonista de la película está inspirado en "Leonard Zelig", personaje real del período de entreguerras, que consiguió relacionarse con la gente más importante del planeta gracias a su capacidad de cambiar de físico y personalidad según su interlocutor. Basándonos en las teorías de Freud, ésta película sería el resultado de una voluntad reprimida por parte del cineasta de querer escabullirse de la cotidiano y poder librarse de su aprisionadora personalidad. ¿Lo creemos? No sé... El universo interior de Woody Allen es muy complejo. Pero basta ya, se terminaron las letras

 

Discurso al recibir el Premio Príncipe de Asturias en el 2002 - Fundación Príncipe de Asturias
Un gran comediante americano del pasado, Jack Benney, tenía la mejor frase para una ocasión tan estupenda y maravillosa como ésta; cuando ganó un gran y prestigioso premio dijo: "Yo no me merezco este premio, pero tengo diabetes y tampoco me lo merezco". Así me siento yo; estoy tremendamente honrado de recibir este honor en un país europeo. Es de un significado muy especial.

Me crié en un momento en el que el cine estaba dominado por las películas americanas y yo disfrutaba mucho de estas películas cuando era pequeño, eran encantadoras, eran muy divertidas. Pero fue después de la II Guerra Mundial cuando hubo una gran influencia del cine europeo en los Estados Unidos. Yo era muy joven, y enseguida nos dimos cuenta del potencial que tenía el cine para convertirse en una forma de arte. De repente los que nos criamos viendo este cine comercial americano, nos encontramos yendo a pequeños cines de arte y ensayo de Nueva York para ver películas extranjeras: de Fellini, Buñuel, Kurosawa, Bergman, De Sica y de Truffaut, y todas estas películas tuvieron un gran impacto en todos nosotros.

Era lo que más se comentaba en la ciudad y lo que comentábamos los que estábamos interesados en el cine. Esto se conoce como la "Edad de Oro" del cine europeo. Actualmente los Estados Unidos ha entrado en un periodo poco creativo en cuanto al cine. Los estudios conciben sus proyectos para hacer dinero, y las películas están destinadas al más bajo denominador común, no son películas maduras, no están llenas de pensamiento y glorifican la tecnología como fin en sí mismo. No tienen que ver directamente con la tecnología, pero se hacen con tal aparato técnico, que el elemento humano se ha perdido por completo.

Sólo el cine europeo en la actualidad tiene películas que merece la pena ver, con sentido para adultos inteligentes y pensantes. Es muy difícil para este tipo de personas ver películas buenas en Estados Unidos un sábado por la noche. Todas están dirigidas a niños de 10 a 12 años. Son pocas las películas europeas, o de Oriente Medio, o de Irán, o de China, o de Japón o Latinoamericana que llegan a los Estados Unidos, y éstas son las que tienen más interés, las más provocadoras y las más significativas para todos los que pensamos que el cine e ir al cine es un arte.

Miramos a los cineastas europeos para buscar líderes en este momento, no hay guías en los Estados Unidos, no tenemos líderes. El interés en Estados Unidos se centra en la producción, en el interés económico. Se gastan cientos de millones y se pierden cientos de millones en un fin de semana. Se gastan mucho dinero en lanzar una película. Se gastan más dinero en publicidad en una película que todo el dinero que Buñuel se gastó en toda su vida haciendo películas. La situación se ha desmadrado por completo. Y los que seguimos siendo serios y tenemos la esperanza de que el cine siga siendo un arte, miramos hacia Europa y hacia los cineastas europeos. Cuando salimos de Nueva York, la película más interesante en este momento era la película española de Pedro Almodóvar en el Festival de Cine. Estas son las películas que la gente en Nueva York va a ver y de las que habla. Espero que los europeos sigan liderándonos y guiándonos en nuestro camino, porque al final de Estados Unidos no nos está llegando nada

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