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Teoría
TEMA 1: INTRODUCCIÓN
El concepto de fotografía en prensa es muy
amplio. No toda fotografía publicada en prensa es fotoperiodismo, sino que
hay otros tipos. Se debe distinguir lo que es contenido editorial
(lo decide el departamento de redacción) y lo que es contenido no
editorial (departamento de publicidad,...). En esta asignatura sólo
tendremos en cuenta el contenido editorial (puede ser fotografía e
infografía).
Fotoperiodismo: imagen
periodística que mantiene por encima de todo una vinculación y un
compromiso con la realidad. Por lo tanto, está vinculado a los valores
sobre realidades informativas significativas para los colectivos.
Documentalismo: también
mantiene ese compromiso con la realidad pero es más amplio que el
fotoperiodismo porque no está sujeto únicamente a la imagen impresa. Por
lo tanto, podemos decir que el doc. engloba el fotop. y además reúne otros
campos (libros, exposiciones,...).
*Así, documentalismo y fotoperiodismo comparten
estéticas, temáticas,... Y por eso es difícil distinguir entre uno y otro:
la única diferencia es el canal, donde los situamos.
Foto ilustración: Imagen
que no tiene compromiso con la realidad (puede ser un montaje).
Generalmente auxilia o complementa un texto.
-El uso de la foto ilustración con valor informativo
se está poniendo de moda, y esto es un peligro porque se sustituye una
imagen de la realidad por otra mucho más espectacular pero que no es real.
Así, se cargan la función testimonial de la imagen (p.ej. los fotomontajes
de la guerra de Israel con las dos banderas enfrentadas y un misil en
medio; queda muy espectacular pero es sólo un montaje). Un reportaje de
fotoperiodismo requiere mucho tiempo, y un reportaje de foto ilustración
sólo requiere el software adecuado.
Los motivos por los cuales se está haciendo este
uso de la foto ilustración:
1. Es mucho más espectacular (aunque no informe de la
realidad).
2. Es mucho más fácil de conseguir y más segura.
3. No requiere tiempo ni paciencia: ilustra la
información en lugar de cubrirla
El marketing cada vez está más presente en las
decisiones periodísticas en todos los ámbitos, pero especialmente en el
campo visual, porque es el primero que atrae al lector (el marketing le
gana terreno al periodismo hasta dentro de los medios). Por ej., en las
portadas de revistas del estilo QUO (...) aparecen foto
ilustraciones en lugar de fotos periodísticas porque son mucho más
espectaculares. Los colores también soy muy llamativos, utilizando
especialmente el rojo como base (en los títulos, en el nombre del medio,
...). De esta manera la fotoilustración le va ganando terreno al
fotoperiodismo, como si la gente ya no se “contentara” con imágenes
reales.
En el caso de utilizar foto ilustraciones, es
mejor que se mezclen imágenes reales con elementos virtuales, porque
aportan ítems de realidad y dan mayor credibilidad a la ilustración.
TEMA 2: SITUACIÓN DE LA IMAGEN EN LA PRENSA
2.1. Características generales de prensa diaria y
no diaria
La prensa en general, y sobretodo la prensa diaria,
se ve obligada a incluir numerosas imágenes para competir con los medios
visuales, que tienen mayor rapidez y más fuerza informativa gracias a
éstas. Por esto, a veces se incluyen secciones “innecesarias” como por
ejemplo “La imagen del día”, ...
Además, el hecho de que la información más importante
del día deba llenarse con imágenes (a veces gratuitas) es otro gran error
(todo el mundo ha visto esas imágenes ya en la TV y, además en
movimiento). Y en cambio, a lo mejor, algunas noticias secundarias
necesitan imagen pero no las buscan o incluyen porque no van en portada.
Por esto afirmamos que actualmente el periodismo está desatendiendo las
exigencias informativas de la imagen. Se repiten siempre los mismos
esquemas (que permiten hacer la compaginación rápidamente), no hay
renovación ni originalidad, y el principal problema es la desatención de
la imagen, el hecho de no considerarla una información propia, sino como
un comodín para llenar páginas.
La escasez y carencia de información gráfica es causa
también de la mala utilización de la imagen visual, que actualmente se
utiliza como soporte y complemento de la información escrita, estando
subordinada a ella. Esto es una contradicción cuando precisamente la
fuerza de la imagen se debe a que puede ser autónoma e independiente por
sí misma.
Aunque los medios se puedan diferenciar ligeramente por
sus inclinaciones ideológicas, la tendencia actual se decanta por un
mimetismo de los medios casi absoluto: se está siguiendo un único
modelo informativo (se produce una globalización visual).¿Cómo quieren
competir entre ellos y cubrir diferentes segmentos de mercado y
representar ideologías contrarias si el diseño de todos ellos es el mismo?
En los últimos años se han renovado todos los medios, y todos han llegado
a un mismo tipo de diseño. El problema es que no existe el papel de un
editor gráfico que coordine el papel de la imagen en todo el producto.
Actualmente se considera que usar las fotografías correctas es lo mismo
que ofrecer las mismas fotos que los otros medios: eso, por encima de
todo, empobrece el papel de la prensa.
Otra línea de prensa que funciona es la
post-televisiva: El USA Today es el primer diario
post-televisivo, y a nivel de contenidos visuales se trata de una sucesión
de pequeños testimonios gráficos con mucha presencia humana,
contextualizados mediante pies de foto explicativos. La verdad es que este
tipo de imagen no ofrece casi información, en el sentido que la mayoría de
personas las tenemos más que conocidas (políticos,...).Un seguimiento del
USA Today aquí es el Periódico de Catalunya. Parece que
estos medios estén partiendo de la base que todos sus lectores están
culturalizados por la TV y, ahora, también, por Internet: Ofrecen miles de
noticias cortas y poco profundas como si fueran menús, para que el lector
elija las que quiera leer y las que no (mediante titulares,. Resúmenes en
2 minutos de todo el día,...). Esto, aunque lo presenten como una
evolución, empobrece la prensa porque rebaja su papel de
informadora-analista.
En el caso de la prensa no diaria, sobretodo las
revistas, se busca la espectacularidad visual (aplicando nuevas
tecnologías,...). Se busca el virtuosismo pero abandonando la importancia
del papel informador de la imagen. La mayoría de portadas son
personajes famosos: el objetivo no es informar, sino hacer tapas
atractivas para vender más. (Por ejemplo: parece que Hola! Y El
País de las Tentaciones sean muy diferentes entre sí, pero
sencillamente es el mismo planteamiento pero dirigido a sectores sociales
distintos: ofrecen personajes reconocibles susceptibles de ser imitados o
seguidos por los lectores. Juegan con el modelo-tipo a imitar para crear
una identidad colectiva que interesa desde el punto de vista del consumo).
El hecho de que haya esta tendencia no quiere decir que
sea absolutamente pésima: se pueden conseguir obras de arte. Pero se tiene
que buscar un EQUILIBRIO, unos altos niveles de contenido escritos y
visuales.
2.2. La prensa y su relación con la moda
El estilo People y la moda tienen mucho en común.
La imagen es su pilar básico y por eso se le dedica mucha atención
(no como en la prensa diaria).
Las revistas de moda realmente no se venden para ver
ropa, sino para modalizar la sociedad: adaptarla al modelo que
interesa, construir la identidad colectiva (lo que se lleva y lo que no,
lo fashion y lo hortera,...). De hecho, esto es lo que pasa con People
(la prueba más delatora es que los fotógrafos de estos medios son casi
siempre los mismos, de modo que el estilo de la imagen también es
similar).
Estos medios, como otros (el cine, la TV,...) se
convierten en modelo de referencia para el comportamiento a muchos
niveles: te ofrecen el modelo de vida americano, que luego facilita la
entrada a muchos otros niveles (económico, político,..).
*Estos medios modelizan en dos aspectos:
1. Enganchan al cliente de forma psicológica para que se
sienta muy integrado en su modelo y siempre sea fiel al mismo.
2. Este modelo facilita la buena relación
contenido-publicidad, porque unos se apoyan a otros.
2.3. Prensa de viajes
¿Por qué la TV no hace entrar en crisis este tipo de
prensa y a otros sí? Porque atiende a las
necesidades egocentristas del lector. Inicialmente tenía finalidades
didácticas, pero ahora el viaje se ha convertido en una forma más de
sentirse “realizado”, el viaje masivo es una realización personal
(nos enriquece).
Las ventajas que tienen estas revistas es que
interesan a muchos sectores: alimentan los servicios de transporte y
locomoción (aviones,...), y estos mismos sectores les ofrecen su
publicidad por buenas tarifas (publireportajes,...), de modo que entre
unos y otros se produce un gran apoyo que hace que esta prensa prolifere
en lugar de disminuir. Cuando sale una revista nueva, la publicidad le da
apoyo hasta que el público la acepta: el problema es que las publicaciones
se venden gracias a la insistencia y el dinero de la publicidad, no
por la calidad de sus contenidos.
2.4. Modelo de periodismo de servicios
Atiende a las necesidades cotidianas de los
lectores: la educación, manuales de cocina, de bricolaje, cómo comportarse
en público, cómo ligar, (...). Parece que las revistas ayudan al lector,
de manera que pasa a alimentar las necesidades ego centristas que tenemos
(inconscientemente, o no). Y lo hacen explotando las inseguridades y
miedos del lector (sexo, trabajo, éxito,...)
En estas publicaciones hay muchísima foto ilustración
que mezclan con imágenes reales para dar realismo y credibilidad (sino
podrían poner un dibujo artístico, pero cumpliría las necesidades de la
foto ilustración).
TEMA 3 : LA PRESENCIA FOTOGRÁFICA
Cuando vemos una fotografía creemos que estamos ante la
realidad (es la primera percepción), y esto es falso. Aunque se hayan
hecho muchos esfuerzos para canviar este proceso inconsciente, seguimos en
él.
Arnheim (?) afirma que
desde el nacimiento de la fotografía, ésta proporcionó una nueva relación
entre la imagen y el ser humano: hasta entonces todo eran
representaciones artísticas que imitaban la realidad, nunca eran la
realidad en sí misma (pintura,...). Con la fotografía se puede
hablar por primera vez de “proyección de la realidad”. (En el campo
de la producción de imágenes se ha comparado el descubrimiento de la
fotografía con la Revolución Industrial).
El nacimiento de la fotografía coincidió, además, con la
corriente filosófica del Positivismo (inicios del siglo XIX), una
tendencia relacionada con el socialismo y la colectivización. La sociedad
de la época deseaba una producción de imágenes fiel a la realidad, en la
que pudieran confiar, y la fotografía les proporcionó esos objetivos: la
sociedad de la época se volcó muy favorablemente en el nuevo arte (por
eso, actualmente aún sufrimos como herencia cultural esa confianza casi
ciega en la fotografía como testimonio absoluto de la realidad). Esta
experiencia exagerada sobre la verdad fotográfica está disminuyendo
actualmente porque estamos mucho más acostumbrados a descubrir “montajes”
detrás de fotos que a simple vista parecen reales.
La corriente post-moderna
(muy crítica) se centra en una profunda crisis testimonial y documental
(actualmente se pagan unos 2 o 3 millones para reportajes arreglados de
gente famosa, y unas 200.000 por un reportaje sobre África negra). Se
tiende a abandonar el valor testimonial y de denuncia de la fotografía por
trabajos más espectaculares y también más falsos.
El hecho de que actualmente vaya creciendo la
desconfianza en el campo visual tiene dos aspectos a comentar, uno
positivo y otro negativo. El lado positivo es que así se fomenta el punto
de vista crítico de los consumidores; el punto de vista negativo es que si
la desconfianza va creciendo cada vez más, puede llegar a perderse un
medio de denuncia de la realidad increíble.
Así, la dominación de los medios por parte de las
grandes empresas + la desconfianza del público + la demanda
cada vez mayor de imágenes espectaculares (hecho que fomenta el uso
de la foto ilustración) = Pérdida del uso de la
fotografía como testimonio denunciante de la realidad.
TEMA 4: LA FOTOGRAFÍA Y OTRAS CIENCIAS.
APLICACIONES.
4.1. Fotografía y Semiótica Estructuralista
La Semiótica o Semiología se ha equivocado mucho cuando
ha intentado reducir las imágenes para descomponerlas y analizarlas como
si fueran un texto (de la misma forma que descomponemos un texto
por párrafos, por frases, por palabras y sílabas, han intentado hacer lo
mismo con las partes que forman una imagen). Los Estructuralistas
afirman que una imagen es exactamente igual que un texto, pero que se
forma mediante un lenguaje propio.
¿Es la fotografía un lenguaje?
La respuesta del profesor es que la fotografía es un lenguaje sólo
relativamente. Lo es en el sentido de que permite expresarse, pero
discrepa en el intento de descodificación de una imagen por partes como si
fuera un texto, porque debe percibirse como una unidad absoluta (si
le damos un valor autónomo a cada una de las partes que aparecen en una
imagen, el significado global puede quedar totalmente alterado). Por lo
tanto, la fotografía no puede considerarse lenguaje porque no tiene
unidades mínimas de significado. Así, cuando se habla del lenguaje
fotográfico es porque se hace des del sentido más artístico del tema: las
fotos tienen la capacidad expresarse mediante la denotación
(definición aceptada de los conceptos) y la connotación (valores
personales que asociamos nosotros a los conceptos).
Peirce estableció la
clasificación de los signos icónicos:
1. ICONOS: mantienen
semejanza con la realidad (p.ej. el dibujo de una manzana)
2. ÍNDICES: Son signos que
entendemos por la relación de causa-efecto (p.ej. el humo de un
cigarrillo)
3. SÍMBOLOS: Son signos
establecidos convencionalmente por la sociedad, y que por lo tanto pueden
ser variables según las culturas. (P.ej. la luz roja de un semáforo).
Según Peirce, la fotografía se identifica siempre
como un Símbolo Icónico Índice (porque hasta la foto más abstracta
se considera una “huella de la realidad”). Opcionalmente puede ser un
icono (si hay voluntad de parecerse a la realidad) o un símbolo
(si puede reproducir algún convencionalismo social). Si además de ser un
índice tiene estas otras clasificaciones, la foto cobra fuerza.
Mediante todos estos puntos explicativos podemos
concluir con que LA FOTOGRAFÍA es el registro de
un espacio y un tiempo simultáneos que pertenecen a la realidad y que
están situados frente a la cámara cuando ésta abre el diafragma y el
objetivo y se dispara .
Por lo tanto la fuerza de la fotografía es que es como
un espejo: si no hay conexión física entre la realidad y la cámara
no se produce ninguna imagen. Por lo tanto, si
una imagen PARECE real pero no responde a esta simultaneidad entre
espacio-tiempo, no hablamos de fotografía (es un montaje, una
fotoilustración, ...).
La foto muestra imágenes analógicas (no
idénticas) de la realidad. Hacemos lecturas poco intelectuales de las
fotos porque prima el nivel emocional por encima del intelectual. La foto,
además, tiene un nivel de manipulación muy alto, sobretodo si se separa de
su contexto. El sentido a la foto, pues, lo damos gracias al
contexto. Es imposible separar la imagen de los elementos que lo
rodean (elementos técnicos e históricos).
CONCLUSIÓN: Los estudios
semiológicos no son válidos porque no se puede estudiar una foto como
una cosa aislada (siempre tiene un contexto detrás).
4.2. La lectura de una imagen
El USO y el CONTEXTO son los 2
parámetros principales para entender una imagen, son las claves para
su interpretación. Además, en último término siempre estará el nivel
psicologista del espectador: la propia interpretación connotativa de
la que ve, con lo que entiende y con lo que lo relaciona. En este momento
juega un papel importante también la psicología de la percepción
(las línias, los colores,...). Todos estos conceptos dan como resultado
que interpretamos las fotos mediante un gran amalgama de campos:
1. En primer lugar tenemos que quedarnos con el
contexto de la foto y con el uso que se le quiere dar, la
función (...).
2. Tenemos que saber que la emotividad de las
imágenes puede anular la resta de la información (nos afecta y no podemos
mirar fríamente).
3. Después tenemos opciones más o menos creativas para
seguir analizando las imágenes. Un método aceptable es intentar establecer
los dos niveles de lectura (connotativo y denotativo). Otro
método (PANOVSKY) establece 3 niveles de lectura:
-Nivel preiconográfico: identificación y
descripción de los elementos de la imagen hasta el mínimo detalle.
-Nivel iconográfico: Descubrimos las intenciones
del emisor de la foto. La retórica visual (metáforas, paralelismos) y los
símbolos se identifican en la imagen y sirven para transmitir información
connotativa.
-Nivel iconológico: Todo lo descubierto en los
otros niveles entra en relación con la sociedad (cultura, educación,...).
Las interpretaciones se multiplican, por lo que tenemos que aceptar que se
trata de imágenes polisémicas, nunca cerradas. La lectura e interpretación
de una imagen nuca termina porque no existe una conclusión única y
verdadera.
*Lo perfecto sería poder seguir con los tres pasos por
separado, pero esto es muy difícil porque mientras observamos por primera
vez ya intentamos ver símbolos, ... La imagen es muy manipulable porque
genera unas expectativas de conocimiento que por ella misma no puede
explicar porque dependen de otras cosas (del contexto,...). El peligro se
da cuando queremos interpretar una foto de la que no tenemos la
información necesaria: la interpretación será casi siempre errónea.
TEMA 5 : EDICIÓN GRÁFICA
5.1. Concepto y características
La edición gráfica es el conjunto de estrategias que
atienden a la planificación, selección y puesta en página de las imágenes.
Mediante la ed. gr. se ponen en consonancia las imágenes y los textos en
prensa. En definitiva, la edición gráfica sirve
para otorgar un uso consciente a las imágenes (otorgarles un sentido
real). Es, por lo tanto, un proceso mediador.
Los editores gráficos
deberían ser los responsables de los contenidos visuales en prensa si ésta
se tratara con la seriedad que merece: la contradicción más fuerte que se
produce es que las páginas impresas están llenas de imágenes pero en
cambio la mayoría de ellas son inútiles y superficiales. No se contempla
la imagen impresa como una verdadera vía de información, y esto está
destrozando la cultura visual, que queda restringida a la TV y la
Publicidad. Generalmente la edición gráfica se hace en base a la
AUTOEDICIÓN (el propio periodista se encarga de montar el artículo,
ejecutando así un trabajo que no le toca y por el que muchas veces no está
preparado). En pocos medios existe la figura explícita del editor gráfico,
cuando es en verdad de suma importancia.
5.2. Fases de la edición gráfica
1. Planificación: de temas desde un punto de
vista visual. Tiene que determinar qué temas se tienen que tratar con
foto, con infografia, o que no lo necesitan.
2. Seguimiento: del proceso para adquirir estas
fotos, infografías,...
3. Seleccionar: cuales se ponen, que no se
repitan,...
*Se tendrían que seguir estos pasos y tendría que
hacerlo una persona especializada, que actualmente no está presente en los
medios. Además, las imágenes no sufren alteraciones a lo largo del día (a
diferencia del texto): se deciden al final de la jornada junto con el pie
de foto. Por lo tanto, hay una gran contradicción: las imágenes ocupan
mucho espacio y son elementos recurrentes (ayudan a cuadrar la página)
pero a la vez no se les presta ninguna atención. El resultado no es nada
bueno comparado con lo que se podría lograr.
5.3. Aspectos profesionales de la edición gráfica
El primer objetivo es otorgar un uso consciente a
la imagen en la prensa. La necesidad de remodelar físicamente la prensa en
los últimos años ha dado mucho poder a los diseñadores gráficos. Pero el
diseño gráfico no es un contenido en sí mismo, es un intermedio
entre dos grandes bloques de contenido: texto e imagen.
Constituye el conjunto de estrategias para poner en relación y compenetrar
textos e imágenes, (contenidos escritos y visuales). Actualmente se le
exige mucho más al diseño gráfico porque se le quiere adjudicar el papel
de los contenidos visuales aunque por él mismo sólo es un vehículo.
*Normas muy generales de la edición gráfica:
1. Dar poco de buena calidad es mucho mejor que dar más
de poca calidad.
2. Cuando hay 2 imágenes (una buena y otra mala),
ninguna de las 2 es buena porque la mala la anula. Si hay 2 imágenes del
mismo tamaño, pasa lo mismo.
En la prensa, romper estereotipos y asumir riesgos es
poco frecuente: es muy difícil inaugurar vías nuevas porque sólo aceptamos
lo que estamos acostumbrados a ver y cualquier imagen que rompa un poco
con lo habitual aparece hoy en día como un reto. Se cree que esto es lo
que espera el lector. En la prensa no diaria (revistas,...) es más fácil
hacer innovaciones, es más frecuente.
TEMA 6 : HISTORIA DE LA FOTOGRAFÍA
6.1. Historia General
Se considera que hay diferentes padres de la fotografía,
porque todos ellos surgieron en la misma época en diferentes sitios y con
diferentes técnicas. Esto demuestra que la sociedad requería el
nacimiento de la fotografía (los principios físicos se conocían desde
hacía tiempo, pero faltaba que surgiera la necesidad para llevarlo a la
práctica, para acabar de investigar y hacerlo posible). Aún así,
Niepce es el autor de la primera fotografía conservada,
de 1826.
Cuando murió Niepce, su hijo se quedó con la patente del
invento y se asoció con Daguerre para perfeccionarlo. Vendieron la
patente al Estado Francés, que a su vez lo cedió a la Humanidad en
un acto simbólico de generosidad.
A partir de 1939 se da un 2º. Nacimiento de la
fotografía con una progresión vertiginosa: mejora de las técnicas,...
Uno de los principales problemas que caracterizan los
inicios de la fotografía es que los tiempos de exposición eran muy
largos, y por lo tanto no eran instantáneas. Además, se trataba de
imágenes únicas con imposibilidad de hacer reproducciones ilimitadas.
Según Benjamin, son los “Años de la inocencia”, de la
experimentación (tiene un carácter lúdico, no comercial). Los
materiales eran muy poco sensibles a la luz, y necesitaban horas de
exposición:
-No hay elementos en movimiento
-No son instantáneas
-No se pueden hacer copias
Fox Talbot inventa
una nueva técnica que no tiene nada que ver con la de Niepce ni Daguerre:
usa el calotipo (?), una superficie translúcida que permite
hacer copias. Esto no provoca la desaparición del daguerrotipo,
sino que conviven todavía unos 60 años.
Hasta que no se pudieron hacer copias, tampoco se
ampliaba: había cámaras con objetivos gigantes que se
utilizaban para hacer grandes formatos. También hubo la fiebre de
conseguir el color, y hasta que no apareció la película Kodakolor
en el s.XX, se pintaban las fotos en B/N.
A.) El retrato es el primer uso masivo de la
fotografía, y es lo que la convierte en negocio. Cumple la misma
función que el retrato pictórico. Por lo tanto, los primeros
fotógrafos son retratistas, y entre ellos hay pintores frustrados y otros
que se dedican realmente a la foto. pq quieren. El retrato triunfa porque
tiene mucho realismo y, en otro sentido, porque acerca la cara de
personas famosas al público (que antes nunca habían visto aunque oyeran
hablar de ellas).
B.) Ya des de los inicios de la fotografía ha habido
muchas mujeres implicadas (a principios del siglo XIX empieza la
emancipación de la mujer con las sufragistas). Adoptan la
fotografía como una actividad liberadora Ej : J. Margaret
Cameron, excelente retratista. La fotografía puede enfocarse como la
forma de ganarse la vida haciendo retratos, o como expresión artística y
Cameron, como sus coetáneos artistas, no tiene referencia propia ni
estilo, simplemente sigue con la corriente pictórica vigente en su
época (romanticismo, simbolismo y después impresionismo). Aunque
pretendiesen hacer arte, en esa época no fueron considerados artistas. El
fotógrafo comercial retratista estaba sometido a la voluntad del
cliente. Por ej., Disdere fue el primer fotógrafo comercial de
verdad e inventó las “tarjetas de visita” con la imagen, el nombre
y dirección del interesado. Tuvieron un éxito increíble que hizo abrir
muchos estudios de fotografía.
C.) La Historia de la Fotografía es la historia
de su desdoblamiento en usos muy diversos (no sólo se limita al retrato y
a la imitación de las corrientes pictóricas). Ya en los inicios también se
produjo mucho interés entre los VIAJEROS FOTÓGRAFOS, que tenían un
enorme prestigio (por ser testimonio fidedigno de los sitios). Durante la
Revolución Industrial se sustituyó el colonialismo territorial por
el colonialismo económico (fábricas, materias primeras,...), se mejoraron
las redes de transporte i se viajó mucho (sobretodo las clases altas,
porque daba mucho prestigio). Los hijos de los burgueses se trasladaban
para estudiar al extranjero (Italia, Grecia, o Oriente Próximo eran los
principales destinos). De esta forma se produjo la unión ya inseparable de
la fotografía y el viaje, sobretodo gracias a estos fotógrafos
aficionados. Llevaban fotos reales de sitios que se conocían solo a través
de pinturas, y a veces ni por estas. Esta función puede considerarse como
un antecedente del Documentalismo (dan a conocer sitios
desconocidos visualmente mediante pruebas).
6.2. Antecedentes del Fotoperiodismo
Los antecedentes del fotoperiodismo se encuentran en las
fotos de guerra. Los procedimientos eran muy primitivos y los
resultados muy sosos, pero existía la voluntad de informar y cubrir los
acontecimientos. Lo que falla, sobretodo, en los inicios, es que no se
podían distribuir porque los diarios todavía no podían reproducir
fotografías.
El primer ejemplo lo encontramos en la Guerra de
Crimea (1855) se tomaron fotos pero no eran nada realistas, sin
una pizca de sangre ni de violencia, eran como retratos de los soldados.
¿Por qué? Porque hubo censura por parte de los ingleses porque no querían
mostrar la “cara fea” de la guerra. (Y lo censuraron aún sabiendo que las
fotos tampoco habrían aparecido en los diarios, pq todavía no podían
reproducir fotos). Las exposiciones eran muy lentas, la preparación
química y el rebelado se tenían que preparar en el mismo sitio de la foto,
requería llevar mucho material encima,...
En la Guerra de la Independencia (1863) las fotos
fueron más realistas porque los periodistas también eran más
autónomos, no dependían tanto de los gobiernos y las limitaciones solo
estaban forzadas por las situaciones técnicas (destaca el equipo de
Mathew Braddly). Por primera vez, la gente tiene versiones directas de
los protagonistas de la guerra y además los fotógrafos enseñan sus
consecuencias. Se inician los objetivos comerciales: venden las
imágenes principalmente a la prensa. La prensa las compra porque mediante
las fotos hacían grabados que podían ser publicados. Aun así,
claro, entre foto y grabado existía una gran diferencia de calidad, de
detalle, pero por el solo hecho de vender un grabado que se sabia que
estaba copiado de foto, la credibilidad era mucho mayor, igual que su
éxito.
La credibilidad que se otorgó a la imagen impresa
contagió a todo el producto: precisamente si los periódicos tienen aún
tanta credibilidad es gracias a la que le proporcionó la fotografía
impresa y que todavía perdura.
( Se tiene que destacar que los grabadores a partir
de la foto tomada hacían el probado para el periódico y en el traslado de
material se perdía bastante calidad de imagen).
A finales del siglo XIX se mejoró mucho técnicamente (en
obturación, emulsión,...) Pero no son los fotógrafos ni los periodistas
los que hacen los descubrimientos, sino los científicos (sobretodo
ingleses y franceses).
*CONGELACIÓN DEL INSTANTE VISUAL (Conquista del
movimiento fotográfico)
Diapositiva de clase: la foto
“Horse in Motion” es
fruto de una apuesta entre dos hombres que no podían percibir si, en su
galope, los caballos tenían, en algún momento, todas las patas al aire. La
fotografía les demuestra que sí, que levantan todas las patas. Lo hicieron
mediante muchas cámaras colocadas en fila y que fueron disparando mientras
el caballo corría por delante (con un mecanismo de disparo rápido). Esta
forma de percibir las fotos (en secuencia) alimentará todos los campos
iconográficos.
*FOTOGRAFÍA ESTRATOSCÓPICA::
Consiste en abrir y cerrar el obturador varias veces
mientras se expone la película delante de un objeto en movimiento (el
movimiento queda registrado). Actualmente se deja el obturador abierto y
jugando con la luz.
Todos estos avances y descubrimientos fueron aplicándose
a la fotografía doméstica, y más adelante a otros campos (fotos eróticas,
científicas, de viajes,...)
6.3. Faceta documental del Fotoperiodismo
Mediante la práctica de observar el mundo a través de la
fotografía nació el documentalismo fotográfico (que es mucho más
amplio que el fotoperiodismo estricto; ver la primera página de los
apuntes de Teoría).
Se tiene que destacar que esto nació de los periodistas
y no de los fotógrafos. Los antecedentes se remontan a un trabajo que hizo
Jacob Reese sobre los guetos de Nueva York, que constituyeron los
primeros trabajos documentales fotográficos.
Más tarde, el sociólogo Lewis Hind hizo un
trabajo sobre la situación de los niños en las fábricas de Pensilvania, y
aportó una característica importante al documentalismo: la voluntad
transformadora (creó tal estado de opinión popular que se hizo una
legislación para reglar el trabajo de los menores). Hind acabó
dedicándose exclusivamente a la fotografía y se le considera el "padre" de
las temáticas ya citadas. Aun así, cuando apareció la prensa gráfica fue
marginado y no se le vinculó en absoluto a estos éxitos de los inicios.
Con estos dos ejemplos queda bastante demostrado que el
trabajo del documentalismo va bastante ligado a trabajos de
denuncia social, minorías, etcétera. El problema es que en estos
antecedentes solo se mostraban las consecuencias de la pobreza: el tema
pendiente era mostrar los orígenes.
6.4. Líneas de evolución de la fotografía de
inicios a mitad del siglo XX
La fotografía todavía no se ha librado de la influencia
de la pintura y el arte en general. Nos encontramos en una época de
grandes y rápidos cambios sociales, después de la Revolución Industrial.
Los paisajes cambian y es la foto. y no la pintura la que se
convierte en testimonio de excepción (por su rapidez y credibilidad).
1. Muchos artistas empiezan a interesarse por la
foto, caracterizada por su precisión. Esta corriente se llama
FOTOSECESION, y nace en los EUA gracias a un grupo llamado
F64. Son la primera generación de fotógrafos de EUA, los
primeros en competir con los europeos. Llegan a un nivel de control y
dominio técnico muy elevado (gran dominio del medio).
2. En la misma época, en Europa, se estaba
produciendo también una gran revolución fotográfica (desde los años '20
hasta ahora no se ha producido un cambio tan grande otra vez). El autor
francés Eugène Atget deja de fotografiar cosas excepcionales, tales
como paisajes exóticos y empieza a fotografiar de manera sistemática todos
aquellos lugares y situaciones de su ciudad de origen, que, al ser
muy conocidos, carecían de interés para todo el mundo. El resultado de su
trabajo es un valioso documento que muestra un París que ya no existe.
3. Otro tipo de línea europea es la encabezada por el
alemán August Sander, el documentalismo más clásico. Elabora un "Retrato
de los alemanes de la época", en el que se hace una clasificación
exhaustiva y sistemática de la sociedad en función de parámetros como
clase, edad o sexo, y se retrata a un gran número de gente diferente:
retratos frontales, de cuerpo entero (p.e. Una dama de la alta sociedad,
un pastelero...) Los retratos frontales sirvieron para marcar distancias,
y dar una visión fría de "documento" objetivo. Aunque este trabajo pudiera
calificarse como "neutro", la Gestapo confiscó gran parte de
su trabajo, no porque el autor estuviese relacionado con ningún grupo
sobre el que pesasen los prejuicios del nazismo, sino porque retrataba la
gran variedad real de los alemanes, cosa que contrarrestaba el concepto de
raza aria y de homogeneidad del discurso nazi.
4. Jackes Enrich Cartige (?), fotógrafo de los
años 20, fotografía, no el mundo en si, sino su propio mundo: La realidad
que el fotógrafo conoce directamente y de la cual, gracias a que la conoce
a la perfección, da una visión muy personal. Retrata pues, su mundo
individual (familia, vacaciones, novia...). Son fotos que podríamos
calificar como familiares, simples fotos domésticas, pero al ser de
calidad extraordinaria y hechas de manera sistemática, se convierten en un
documento histórico. Lartige (?) era rico y vivió siempre de renta.
5. Las vanguardias artísticas se dan en los
años 20, cuando se supera si la foto puede ser arte o no. La respuesta
definitiva es "sí", que el automatismo; en ningún modo, anula lo
artístico. La fotografía no constituye un procedimiento más de las
vanguardias, sino que condiciona todas las vanguardias artísticas (de
otras formas de arte), como por ejemplo el futurismo en
Italia. Llevan a la foto la fascinación por la velocidad, el
movimiento...Utilizan procedimientos para generar movimiento en la foto.
Después de estos avances formales, nace el comic. (p.e. el surrealismo
-asociaciones de ideas-). En definitiva, fotografías que constituyen arte,
pero que además nos enseñan la realidad de maneras diferentes.
Se comienza a experimentar con el hecho de fotografiar
desde diferentes puntos de vista (picados, contrapicados). Hoy en día,
esto es algo normal, pero en ese momento fue algo sorprendente, puesto que
a la gente le costaba reconocer las imágenes, los lugares...No había
cultura audiovisual.
6. En el mismo momento en el que se daba todo esto, nace
el Fotoperiodismo. Nace entre el final de la I Guerra Mundial y
el principio de la Segunda en Alemania. Las circunstancias que dieron
lugar a su creación fueron:
a.- Época con libertad de prensa
b.- Fuerte crisis económica (lo que conllevó la subida
al poder del nazismo)
c.- Factores de tipo tecnológico (obturadores rápidos,
objetivos precisos...)
d.- Los fotógrafos provienen en su mayoría de clases
sociales muy altas, aunque empobrecidas por la crisis (esto da respeto al
fenómeno, a los derechos de autor, a las estructuras de organización de
las imágenes...).
Eric Salomon es el
fotógrafo mas representativo (judío, de izquierdas y de familia
acomodada). Evidentemente, el fenómeno dura en Alemania hasta el año
`33, en el que los nazis suben al poder. Entonces se desmembra pero ya
se está expandiendo por toda Europa.
Tienen películas muy sensibles a la luz que
permiten fotografiar interiores sin flash, con luz natural. Hasta el
momento se había hecho con magnesio, lo que conllevaba una molesta
nube de humo después de fotografiar algo.
A finales de los años 20 aparecen cámaras de
mucha luminosidad (p.e. La F2 de Hermanox (?)). También aparece la
Leica, cámara mítica hasta la actualidad, de la que existen
versiones actualizadas muy similares.
Se utiliza la foto en prensa, y aparece un tipo
de prensa eminentemente gráfica, cosa que constituirá la base para el
desarrollo de la prensa gráfica posterior (toda ella se inspirará
en la primera prensa gráfica alemana). Es un modelo muy parecido al
semanario gráfico, con grandes fotos en portada y reportajes
primordialmente gráficos.
Alfred Eiseinstein es otro
de los fotógrafos de esta generación. Al huir de Alemania por estar
perseguido (era judío), permite que los fotógrafos puedan exportar sus
ideas y extenderlas por el mundo. En 1933, el gobierno nazi
interviene todas las publicaciones, pero no las hacen desaparecer. Los que
participaban en ellas tenían que huir, ya que en caso contrario podían ser
detenidos y morir en los campos de concentración.
Los nazis se sirven de las publicaciones para influir
en la opinión pública y crear un clima favorable al régimen, de exaltación
popular. Este es un uso negativo del fenómeno,
pero que también ayuda a su expansión, ya sea gracias al nazismo o a los
exiliados, que parece imparable. Gran Bretaña, al estar separada
del continente, crea un modelo de revistas muy particulares y propias,
contrarias totalmente a Hitler, y empieza a generar modelos de
diversión a partir de las fotos.
El fotomontaje político,
prácticamente inexistente hoy en día, jugó un importante papel en el
período de entreguerras, sobre todo en la revista de izquierdas alemana
AIZ (?). El padre de los foto montadores políticos era John
Heardfield, cuyo trabajo, desde Inglaterra, iba dirigido a luchar
contra la propaganda nazi. El fotomontaje político se extiende hacia
Francia desde Alemania.
A toda esta eclosión de las vanguardias, el
fotoperiodismo, etc...se suman las vanguardias de los países del Este y
de Rusia, que en aquel momento no era un país cerrado, con lo que
cualquier influencia también se extendía.
La prensa gráfica en los EEUU
había nacido influida por los inmigrantes alemanes, aunque también
existían otras fuentes de alimentación propias e internas al periodismo
estadounidense. Una de ellas, y muy importante, es el Proyecto de la
FSA (Farm Security Administration), que se da en el momento en
que la pobreza derivada en depresión económica afecta directamente al
campo. Se juntan a ello sequía y hambrunas. El estado decide entonces
crear un proyecto para ayudar al campo, que incluye una parte de
información y que por ello los fotógrafos documentan gráficamente a
medida que avanza el proyecto. En definitiva, el objetivo era meramente
propagandístico, ya que daba a conocer lo que hacia el gobierno. Entre
los autores se encuentra Dorothea Lunch (?). Los trabajos acababan
en los archivos del gobierno, pero también se publicaban algunos
fragmentos en la prensa del momento. Sirvió como referencia a cineastas
para llevar a cabo películas comprometidas con la realidad social.
Otros fotógrafos importantes de la época fueron A.
Rostein y M. Bourge White (autora de la primera Life),
Walter Evans.... O Robert Cappa -, autor de la foto
emblemática de la Guerra Civil Española, en la que aparece un
soldado republicano en el momento en que le disparan.
En todas las publicaciones estadounidenses se nota la
influencia de las vanguardias que actúan en Europa (p.e.
Foto que en lugar de ser cuadrada está cortada en diagonal, tipografía de
las letras de portada de Life...). Actualmente prensa y arte
están totalmente separadas (el único vínculo existente podría ser la
publicidad). En cambio, durante la época de las vanguardias todo estaba
mezclado, y lo que hacían las vanguardias se imitaba en prensa (=modernidad).
"La nueva Rusia" era
el equivalente ruso de "Life", la revista popular leída por
las masas, que esta en todas las casas. Aplican también todas las
vanguardias como la Gestalt, Kandinsky...De hecho, los
grandes artistas colaboraban en la prensa.
La revista nazi "Signal" también adopta
todos estos referentes. Además utiliza mucho la infografía (no la
informática, claro esta) por las mismas razones que se utiliza hoy en día:
esconder la realidad. Se invaden muchos lugares, pero no se
muestran fotos de muerte ni destrucción, sino un gráfico, o un mapa que
sirve como maquillaje. La realidad objetiva nunca se saca a la luz. Es una
manera de mantener tranquila a la población, además de convencerla de que
está informada.
Es un periodo de innovación constante:
la prensa busca, arriesga, cambia... La II Guerra Mundial es la
culminación del inicio de la cultura visual de masas, a lo que algunos
dicen que se inaugura con la Guerra Civil Española, que fue un
ensayo. El emblema es el desembarco de Normandía. R. Cappa
es el primer enviado especial y que en cierta manera crea la figura del
enviado especial. (Murió en Indochina al pisar una mina).
Películas como "Salvar al Soldado Ryan" o "La Lista de
Schindler" se inspiran en fotos de aquel momento a la hora de crear los
decorados.
Eugène Smith fue un gran
fotógrafo, autor de una teoría sobre la ética en el fotoperiodismo.
Dice que la foto no puede ser objetiva y que por lo tanto el fotógrafo
no debe ser objetivo, sino honesto. Según él, es lícito hacer pequeñas
intervenciones en la realidad para conseguir la imagen imaginada, pero lo
que no es lícito es llevar a cabo grandes manipulaciones. Retrataba lo que
el pensaba de las cosas, su visión personal...pero sin alterar nada.
Por eso nunca se comprometió con ninguna revista, empresa, etc, porque
no compartía las mismas ideas. No inventa nada de lo que hay, de lo que ha
pasado, pero lo coloca en el lugar adecuado para conseguir el mejor
resultado estético (p.e. Colocar personas en una determinada posición,
hacer caminar o moverse diversas veces a la misma persona, vigilar la
luz...)
Elvin Blumenfeld también
fue integrante de las vanguardias artísticas y hace colaboraciones en
prensa durante los años 30.
Nace en esta época la prensa de glamour, que ya
tenia precedentes a principios de siglo, pero es en los años `30 cuando
toma mas fuerza gracias a la fotografía que la acompaña. En aquellos años
los avances gráficos afectan a todo el sector de la foto: se hacen
portadas de gran calidad (p.e. Vogue)
Enrich Cartier-Bresson es
uno de los fotógrafos más reconocidos de la historia. Fue autor de textos
sobre la foto y gestor de fotografías Además creó la agencia Magnum
e hizo la "teoría del instante decisivo", entre otras cosas.
Otros autores hablaron de esta idea pero él la convirtió
en teoría: En toda acción hay un momento de máxima expresividad. El
papel del fotógrafo es estar presente y captar el momento en que los
objetos se conjugan en esta máxima expresividad. Por ello, tiene que
detectar y avanzarse a este momento y, además, tiene que intervenir al
mínimo en la realidad para no modificarla ni manipularla.
Cartier, a partir de la
influencia de su amigo cubista Brach, quiso transportar el
budismo a la fotografía: Se dice que el arquero occidental
considera la diana donde apunta como algo ajeno a él, simplemente dispara
y a ver si acierta. En cambio, el arquero budista considera la
diana como un elemento que lo implica, del que forma parte. Gracias a un
estado muy entrenado de alerta respecto a la realidad, puede
conducir la flecha y dispararla donde quiera. Cartier quiso llevar
esta teoría a la fotografía: Entrenarse para estar al máximo de alerta
para captar el momento de máxima expresividad y fotografiarlo.
Cartier ejerció mucha
influencia sobre los fotógrafos de la agencia Magnum (fundada al
final de la II Guerra mundial por Cartier y Cappa). Esta agencia se
fundó con el objetivo de acabar con la manipulación de la realidad
de las fotos y lo que quieran era generar un modelo de respeto hacia las
obras de los fotógrafos y hacia los derechos de autor. Como eran
los fotógrafos más conocidos de su momento, pudieron imponer esta forma de
trabajar y estas ideas fueron la base para las agencias y cooperativas de
fotógrafos posteriores.
Siempre encontramos un punto de ironía en las
fotos de Cartier, y esto también influenció sobre otros fotógrafos
de la Magnum (Erwit, Arnold, etc.).
Algunos autores que no estuvieron de acuerdo con
la forma de trabajar de la Magnum (con sede en París y Nueva
York, entre otras) abrieron otras agencias, aunque sin mucho éxito.
Los fotógrafos reconocidos siempre han formado parte o han tenido algún
contacto con esta gran agencia.
6.5. Evolución de la fotografía en la segunda
mitad del siglo XX
En los '50 se produjo una gran renovación del
Documentalismo. Se pasó del documentalismo frío y distante a otro más
subjetivo i libre que reflejaba la libertad. (Destaca Frank U. Klain).
En los años 60 se fundó la revista "Look",
una de las mejores desde el punto de vista gráfico. Se hicieron cosas muy
originales: p.e. Un reportaje de Londres no abre con el Támesis y el
puente, como es habitual. La primera imagen era el timbre de una puerta ,
convertido en un símbolo identificador de la ciudad.
6.5.1. Vietnam
Nick Add fue el gran
fotógrafo de Vietnam, y gano el Pulitzer con la foto de unos niños
corriendo después de un ataque americano. Vietnam es la guerra en la
que el fotoperiodismo llega a sus cotas máximas de análisis y expresión.
La gran intervención de los medios de comunicación cogió por sorpresa a
todo el mundo, sobre todo a la administración de los EEUU. La libertad
de prensa ayudó a que se difundieran imágenes de Vietnam que no
ayudaron nada a los EEUU a ganar la guerra, mostrando los horrores que
provocó este país y que influenciaron increíblemente a la opinión
pública (Al principio las acreditaciones casi las regalaban,
luego, al ver lo que pasaba con los periodistas, lo hacían porque estaban
forzado por las leyes democráticas). Esto fue el principio de la libertad
de expresión y a la vez su fin. El estado de opinión que generó hizo
pensar a los EEUU (y al resto de países) que la libertad absoluta de
expresión tenía demasiadas consecuencias. A partir de entonces, el
fotoperiodismo libre se controla hasta nuestros días.
En conflictos posteriores
el cubrimiento ha sido muy distinto. El fotógrafo actual más destacado es
Naxwey, heredero del estilo de Capa. Su teoría sobre la
guerra es que el sufrimiento ha sido trasladado del campo de batalla a
la población civil. Por esto él, reportero de guerra, sólo fotografía
a éstos últimos, las verdaderas víctimas de la guerra.
TEMA 7: PROVISIÓN DE FOTOS EN UN MEDIO DE
COMUNICACIÓN
Las fuentes fotográficas que usan los medios de
comunicación son:
1.- Los fotógrafos que trabajan para el medio en
cuestión, que son muy distintos en la forma de trabajar dependiendo de
si trata de un diario o de una revista. En un diario el
equipo estable de fotógrafos es muy importante, en cambio, en una revista
se valora mucho la colaboración personal.
Hay muchas formas de contratación. Por eso es
normal que en el medio haya una plantilla reducida fija y permanente
además de colaboradores (estos últimos con contratos diferentes
dependiendo de las tareas).
El freelance es la persona que no está
contratada por ningún medio en concreto sino que trabaja libremente
según sus métodos e ideologías. Su trabajo es admirable y el gran problema
radica en la inseguridad laboral que implica. Por eso, la única
forma de conseguir que siga habiendo freelances es pagando muy bien sus
trabajos, que acostumbran a ser de una calidad increíble. El papel del
freelance esta desapareciendo a causa del conformismo de los medios
y de su política empresarial, aunque sepan que renuncian a una gran
calidad.
2.- Agencias generales de información (Reuters,
Associated Press...) Gestionan información escrita y gráfica. Para
los medios son muy cómodas porque ofrecen las tareas hechas. Son
especialmente útiles para los medios que no tienen un servicio de edición
gráfica. El problema radica en que las agencias responden a su propia
ideología, y a su dependencia económica y política con el
capitalismo (sobre todo de EEUU y GB). La suscripción a
las grandes agencias es muy barata, y su cobertura es además
internacional.
3.- Agencias especializadas en fotografía: Aunque
han existido desde hace tiempo, su auge llega con el final de la II
Guerra Mundial (Magnum, cooperativas posteriores, etc).
Inicialmente se basaban en un sistema de intereses comunes
amistosos, y estaban muy relacionadas con los freelances, a los cuales
daban su apoyo.
Después, las cooperativas que surgieron se convirtieron
en agencias capitalistas, muy dinámicas, que no pagaban sueldos
fijos sino en relación al trabajo hecho. La competencia que surgió
entre estas agencias hizo que las más débiles económicamente se hundieran
(se prefería pagar a buen precio sin tener en cuenta la calidad). Las que
perduran no se basan estrictamente en la información de actualidad,
sino que tratan temas específicos de forma muy profunda para
facilitar la contextualización de los conflictos actuales para interpretar
su situación.
4.- Bancos de imagen: Se parecen a las agencias
pero no son su competencia sino que las complementan. Ofrecen
imágenes enlatadas de cualquier situación, objeto o personaje...Son
archivos enormes organizados por categorías y subcategorías. Su
difusión se hace a través de internet, CD's, etc. donde
generalmente las fotos están libres de derechos (royalty free).
Esto provoca que la calidad sea baja porque no hay competencia
entre autores. Además se ahorran el la edición grafica, porque no
se necesita solucionar las necesidades de contextualizar la imagen, etc.
Los bancos de imagen están en monopolio de
grandes grupos internacionales: Getty (el más importante),
Corbis (el segundo, de Bill Gates) y Hachette (el tercero,
francés, y totalmente independiente de los grupos americanos). Estos
grupos se dedican a comprar archivos, fotógrafos, etc, para acaparar el
mercado mundial de la imagen y adquirir así las grandes agencias.
5.- Archivos del propio medio. Son muy
importantes pero están muy descuidados y se usan como elemento auxiliar.
6.- Servicios varios: Hemerotecas, archivos
públicos y privados, colecciones, museos, etc...En este caso se necesita
un editor gráfico que establezca los contactos y las localizaciones
de las imágenes.
7.- Televisión: Aunque no tendría que ser una
fuente de imágenes estáticas, lo es. Puede llegar a ser un recurso muy
importante pero sólo ocasionalmente. El problema es que se usa como
norma en muchos periódicos y también en algunas agencias que también
tienen cadenas de televisión y se aprovechan de la situación (AP, Reuters).
Les sale más barato porque con una sola fuente tienen muchas salidas y lo
justifican diciendo que no han encontrado imágenes estáticas,
aunque saben que la calidad de imagen es muy inferior.
8.- Gabinetes de relaciones publicas: Tampoco
tendrían que usarse como fuente “neutral” de imágenes, pero se hace. Cada
vez tienen más fuerza y así ejercen presión de acuerdo con sus intereses
(de personajes famosos, películas, etc.).
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