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Leonardo Da Vinci Vida y Obra - Rembrandt Vida y Obra - Algunas reflexiones sobre el desnudo en el arte - Por un arte no banal

Nos proponemos en esta sección, orientar sobre los diferentes aspectos a considerar en una obra de arte para que las personas no iniciadas, puedan apreciar, valorar y disfrutar de las obras de arte creadas por los artistas. No queremos ser dogmáticos ni sentar cátedra. Somos conscientes de que nuestro punto de vista será subjetivo por muy objetivos que queramos ser. Pero así es el arte, un mundo de sentimientos, sensaciones y emociones que cada cual los percibe de diferente manera porque todos somos diferentes e irrepetibles; por tanto, cualquier otra opinión o aportación será bien recibida. Para ello tenemos entre los foros de opinión uno dedicado al arte.

Siempre se plantean las mismas preguntas al iniciar este tema. ¿Qué son las bellas artes? ¿Qué es una obra de arte?

Las bellas artes entendemos que son un lenguaje, una forma de comunicar los artistas sus emociones, sensaciones y sentimientos al resto de los mortales.

Los artistas crean su obra que es el soporte en el cual plasman su mensaje. Pues bien, cuando la obra reune un mínimo de calidad es cuando decimos que es una obra de arte. El problema a veces se plantea en reconocer esa calidad. Si su calidad es muy alta, hablamos de una obra maestra.

Dentro de las bellas artes habitualmente se consideran arquitectura, escultura, pintura y música, pero ¿qué pasa con las artes escénicas (teatro y cine) y la literatura y la poesía?

Nosotros nos vamos a ceñir en exclusiva, de momento, a la pintura que es lo que conocemos mejor y sin más dilación allá vamos.

Cuando una persona mira un cuadro es evidente que verá una serie de aspectos y otros que no verá. De los aspectos o características que vea unas las podrá definir y otras no sabrá como. Las que pueda definir las podrá transmitir, las otras le será imposible. De las características que pueda transmitir, unas serán comprendidas por los interlocutores y otras no...

En resumen, una cosa es mirar y otra ver, una cosa es transmitir y otra recibir. Espero transmitir con suficiente claridad para que la inmensa mayoría pueda recibirlo.

Y ahora entramos en materia: ¿Qué cosas, aspectos o características debemos percibir en un cuadro?

Probablemente lo primero que nos llamará la atención será su color o colores que pueden provocar efectos de luz o no. Después nos daremos cuenta del dibujo de las formas y percibiremos si este es realista o no. A continuación, haciendo un recorrido visual más detenido, tratamos de interpretar que representa aquello: una niña bebiendo agua, una mesa con un frutero, un guerrero a caballo, etc. es decir el tema.

La mayoría de la gente solo ve hasta aquí y como conclusión define si le gusta o no le gusta el cuadro. No le gustarán los colores, el dibujo o no le gusta el tema. Puede ser que no le guste la expresión de los personajes o la forma en que están dispuestos.

Pero hay más cosas que observar que suele pasar desapercibido a la mayoría de la gente y son los siguientes aspectos:

La composición: es decir, la colocación o distribución de los elementos en la superficie del cuadro, del soporte.

Las técnicas: que tipo de pintura se ha utilizado para realizar el cuadro (óleo, acuarela, témpera, ceras, etc.)

Los estilos: la forma o manera en que se suelta la pintura u otros elementos en el soporte (clásico, academicista, impresionista, vanguardismo, etc.)

El dibujo

Aunque actualmente hay muchos artistas que no hacen uso del dibujo, bien porque superponen objetos en el soporte y por tanto no tienen nada que dibujar o porque directamente emborronan con manchas el lienzo, papel o tabla, sin más y poco a poco van apareciendo las formas, al final se percibirán unos contornos que delimitan o separan unas formas de otras en el cuadro. Esto es el dibujo.

El dibujo, como cualquier acción que el ser humano realiza, para conseguir un objetivo con seguridad, exige una técnica, si se quiere dominar la situación. Por tanto, necesita un tiempo de aprendizaje para conseguir dibujar lo que uno quiere y como uno quiere, y no lo que salga.

Atendiendo al material e instrumento utilizado para resolver el dibujo, se puede dibujar con carbón, lápiz, sanguina, grisalla, pincel, pluma, rotulador, tiza o bien con la pintura y color directamente. También se puede hacer con un estilete como en los grabados, rompiendo la capa de parafina, o con el mango del pincel o un palillo como en las ceras si se da un color base. Es decir, cada artista encuentra la forma y manera que mejor va con él y, si no encuentra ninguna adecuada la inventa.

Normalmente, antes de comenzar a pintar un cuadro, es necesario definir que vamos a pintar y como lo vamos hacer, de que elementos se compondrá y como los vamos a colocar. Todo ello se suele resolver mediante dibujos previos de los elementos por separado y en conjunto

La línea y el contorno

1. La línea no es otra cosa que una raya marcada de algún modo sobre una superficie.

2. La línea divide, delimita o separa un área o espacio y define una forma gracias al borde o contorno.

3. Con la línea creamos un dibujo o estructuramos una composición, resolvemos símbolos o ideas y producimos gradaciones tonales.

La línea por si sola puede mostrar emociones y sensaciones:

4. La línea recta expresa estabilidad, vigor, seguridad y tiene cualidad masculina.

5. La curva expresa voluptuosidad, indecisión. Tiene cualidad femenina.

6. Expresa energía cuando es muy cerrada.

7. Movimiento e intranquilidad al ser irregular.

8. La línea vertical es la más estable digna y fuerte.

9. La horizontal es la más sólida y reposada

10. La recta inclinada es activa, excitada y aumenta esa sensación a medida que es más inclinada Si es excesiva la inclinación dará la sensación de desplome, caída o desequilibrio.

11. La línea rota y en múltiples direcciones expresa confusión, discordia

12. La base de toda creación pictórica reside en la combinación de las formas lineales y en la subdivisión de áreas y contornos

13. Por la línea se definen puntos focales o de mayor interés en el dibujo,

14. Caminos para la vista,

15. Motivos para atraer la atención

Contorno

Es el conjunto de líneas que limitan un cuerpo o espacio y que establecen el dibujo propiamente dicho.

Cuando miramos un objeto, lo primero que percibimos es el contorno. Los niños distinguen los objetos por el contorno pues es el que difine las cosas sin necesidad de colores, ni luces, ni sombras.

Un dibujo se compone solo de dos dimensiones (ancho y alto) pero normalmente se pretende crear la ilusión de la tercera dimensión: la profundidad.

La sensación de profundidad se expresa de forma convencional; de igual forma, el contorno también es un artificio para definir un objeto en la superficie del lienzo o papel.

La ilusión de profundidad puede expresarse por la línea bien jugando con el grueso de la misma o con el tono. Ved las figuras 8, 9 y 10.

El tono

Las formas se definen gracias a la luz. El modelado o volumen de los objetos se produce por la combinación de la luz con la sombra. El dibujo no es la forma sino la manera de ver las formas (Degas)

Se llega a la representación de un objeto mediante el dibujo, con una gran capacidad de observación de la realidad y potencia analítica, para ver el como y el porqué de lo que se observa y así encontrar el método más simple para su representación en el papel.

Podemos ver en el dibujo las diferentes zonas tonales en que la luz divide a un cuerpo: medio tono, sombra propia, reflejo y luz . Fuera de él está la sombra proyectada.

Podemos crearnos nuestra propia escala de tonos y dependiendo de la valoración de cada zona lograremos diversos efectos de luz.

La Composición

La composición es el arte o manera de combinar elementos para que resulte un conjunto armónico, unitario y bello.

"Acróbata y joven equilibrista"
PICASSO

"Leda y el Cisne"
DA VINCHI

"La Maja Desnuda"
GOYA

"Danae"
REMBRANDT

"La rendición de Breda"
VELÁSQUEZ

"Una Moderna Olimpia"
CÉZANNE

La Composición II

La composición está resuelta mediante dos triángulos rectángulos que provoca una sensación de estabilidad y seguridad y el otro invertido que es precisamente el que provoca la sensación opuesta, inestabilidad y tambien una sensación aérea, como de flotación o sustentación en el espacio. Por tanto, esta sencilla composición consigue conjugar dos sensaciones opuestas jugando con dos triángulos:

Las líneas curvas expresan movimiento, suave, rítmico y elegante, pero aquí además expresa sensualidad y voluptuosidad:

La recta diagonal da sensación de movimiento penetrante y conduce la mirada entrando por los pies y terminando en la cabeza. El triángulo isósceles inclinado, produce sensación de caída y la punta de flecha que forma el triángulo y la diagonal, es como si se clavase en tierra penetrando. Las curvas del cuerpo dan sensualidad y voluptuosidad a la figura:

Las dos líneas inclinadas que convergen en la esquina superior derecha confieren un gran dinamismo a la composición. Los dos óvalos centrales dan una delicada tranquilidad femenina que contrasta con la tensión del caballero metido dentro del triángulo derecho:

Esta composición está formada principalmente por dos triángulos y un círculo, el personaje principal está situado en el centro del círculo.
La línea horizontal, donde llegan las cabezas de las figuras, confieren una sensación de paz, de serenidad. Los triángulos formados a izquierda y derecha, dan dinamismo a la composición. Pero lo que centra la escena es el círculo, cuyo centro es el cuello de la casaca, del personaje vencido, así contrarresta el dinamismo existente a los dos lados. El personaje que recibe las llaves, está en el lugar más destacado de toda la composición, en la línea vertical derecha de la "sección áurea":

Esta composición está basada en un óvalo cerrado e inclinado, lo que produce una sensación de delicada tranquilidad femenina, a la vez que grandiosidad. La inclinación del óvalo produce dinamismo a la escena:

La Composición III

TÉCNICAS DE LA COMPOSICIÓN

  Hemos visto en obras de grandes artistas, como la distribución de los elementos en el cuadro, no solo permiten una sensación agradable por la armonía de las formas y colores, sino que esa especial distribución trasciende para dar significados que se perciben a nivel inconsciente.

  Hemos desarrollado las leyes de la COMPOSICIÓN en 22 unidades didácticas, absolutamente gráficas e intuitivas, que les permitirán comprender y asimilar fácilmente las técnicas utilizadas por los grandes artistas para transmitir sus mensajes.

  De igual manera que el color azul lo asimilamos como frío por ser los mares y los hielos, azules y fríos, entendemos el amarillo y el rojo como calientes, pues el Sol y el hierro candente, como el fuego tienen estos colores. Pues bien, así mismo sucede con las líneas, las figuras geométricas, las masas y los tonos. Todo tiene su significado y el artista debe conocerlo y aplicarlo para transmitir las ideas y sensaciones que quiere hacer llegar al espectador

Lámina 1. El Ritmo

Al componer hemos de conseguir armonizar, unir, relacionar líneas, masas y tonos, llevando la mirada del espectador por el camino que nosotros queramos y ahí es donde está el movimiento y el cambio de formas.

Las masas dependiendo de su superficie y su tono tienen un peso y este debe equilibrarse en la superficie del cuadro.

La dirección del trazo, de la pincelada, pueden crear un fuerte ritmo. Obsérvese en las obras de los impresionistas, especialmente Van Gogh.

Láminas 2-3. Elementos Compositivos: El Espacio

Vemos que no solo es importante como distribuimos los elementos dentro de la superficie del cuadro, sino que la forma y proporciones de esa superficie, también tiene su importancia y determina unas sensaciones que deben estar acordes con el tema de la obra. Así vemos que internamente, las líneas, transmiten sensaciones diferentes si son verticales, horizontales o inclinadas.

Y de igual manera, la superficie al ser alargada en sentido vertical u horizontal transmiten sensaciones diferentes, o bien si son cuadradas. Aunque la mirada del espectador siga un recorrido inconsciente general, es el artista quien con su composición, obligará al espectador a seguir el recorrido que él quiera, jugando con los ritmos creados por las líneas, masas y tonos.

Lámina 4. División del Cuadro

El espacio creado por la superficie del cuadro, podemos dividirlo de muchas formas, pero especialmente hay tres, debido a sus proporciones: ½, 5/3 y cualquier otra. Solo la proporción 5/3 da unidad y variedad.

Lámina 5. Sección Áurea

La Sección Áurea o proporción de Oro nos permite definir una superficie armónica en sus relaciones de longitud y altura, así como, interiormente, hallar los puntos y zonas armónicas, tomando como razón el valor 1,618. Nos bastará con multiplicar una distancia o longitud por el valor 1,618 para hallar la medida superior que cumpla la “Sección Áurea” o dividirlo para hallar la inferior.

Lámina 6. Determinación de Puntos

Aplicando el valor 1,618 o bien usando la Serie de Fibonacci, podremos siempre determinar los puntos armónicos, donde nos convendrá situar el/los elementos que queramos destacar de nuestra obra. Aunque siempre habremos de definir un orden de importancia para que solo un elemento destaque de todos los demás.

Láminas 7, 8 y 9. Las Líneas

Vemos que en la construcción del esqueleto del cuadro, las líneas definen por si solas importantes sensaciones que son determinantes para transmitir al espectador nuestro mensaje.

Láminas 10/13. Las Figuras Geométricas

La estructura lineal puede cerrarse para convertirse en figuras geométricas, cuadrados, rectángulos, triángulos, círculos, óvalos y hasta letras, pueden estructurar un cuadro para enriquecer sus significados.

Lámina 14. Las Masas

Para que una obra resulte agradable, también es importante que el peso de las masas resulte equilibrado en la superficie del cuadro y eso se consigue con la técnica del balancín.

Lámina 15. El Balancín

Utilizando la técnica del balancín, lograremos distribuir las masas y tonos de forma que la obra tenga equilibrados los pesos.

Lámina 16. Equilibrio de pesos iguales

Cuando las masas con las que jugamos tienen igual peso, bastará con situarlas equidistantes del centro para equilibrarlas.

Láminas 17-18. Las Líneas como elementos con peso
Otra forma de equilibrar los pesos es jugar con las líneas que seccionarán las masas.

Lámina 19. El destaque de los Tonos

El destaque de un tono no depende solo del contraste con lo que le rodea sino también de las diferencias de superficie. Claramente, cuanto mayor es la diferencia en tono y superficie, mayor es el destaque.

Lámina 20. El Destaque y el peso de las masas

Es necesario armonizar el destaque con los pesos de las masas para no provocar desequilibrios.

Láminas 21-22 Las Claves Tonales

Mediante las Claves Tonales, podemos transmitir unas sensaciones generales/globales que puede ser la primera que perciba el espectador al mirar la obra. Por tanto es muy importante, definirla antes de comenzar a ejecutarla.

Sugerimos se entrenen aplicando las leyes de la composición a todos los cuadros, dibujos, fotos, imágenes, en definitiva que se pongan al alcance de sus ojos. Se sorprenderán de los significados que encontrarán y como les ayudará a comprender una obra de arte.

Aunque aquí las exponemos dirigidas a elementos planos, si piensan en volumen, verán que son igualmente aplicables a la escultura y a la arquitectura.