Producción

En grandes producciones podemos encontrar también un vestuarista, responsable de proveer al talento con la ropa adecuada a la historia y el guión.

Un director o técnico de audio prepara el equipo de grabación, instala y verifica los micrófonos, monitorea la calidad del audio y desarma y recoge todos los instrumentos y accesorios al término de la producción. El operador de boom presencia los ensayos y decide el tipo de micrófono adecuado y su posición para cada escena. Esta persona necesita tener fuerza en los brazos para poder sostener el boom sobre los actores por largos periodos de tiempo durante una toma en locación (toma fuera del estudio).

El operador de video instala el equipo de grabación y sus accesorios, ajusta las modalidades de grabación, realiza pruebas y monitorea la calidad del video.

En una producción en locación el "script" (o continuista) toma notas cuidadosamente sobre los detalles de continuidad de cada escena para asegurar que éstos permanezcan iguales en escenas subsecuentes, (un trabajo más importante de lo que parece, especialmente en producciones en locación a una sola cámara). Una vez que las labores de producción han sido llevadas a cabo, el "script" es el responsable de hacer descansar a los actores después de cada escena o segmento.

El operador del generador de caracteres programa (diseña y escribe) títulos de entrada, subtítulos, y créditos finales en el equipo. Estos textos son insertados sobre la imagen durante la producción. Algunas computadoras suelen sustituir al generador de caracteres.

Los camarógrafos hacen más que simplemente operar las cámaras, también ajustan y aseguran la calidad técnica de su equipo, colaboran con el director, director de Iluminación y técnico de sonido en la marca de posiciones (blocking) y realización de cada toma, y en el caso de producciones de campo se encargan de recibir, transportar y entregar su equipo.

Dependiendo en el nivel de producción, puede haber un coordinador de piso quien es el responsable de coordinar las actividades en el set. El o ella puede estar asistido por uno o más asistentes de piso, a quienes pueden ser delegadas varias responsabilidades en el set.

Después de que las tomas han sido completadas, los editores toman las grabaciones y ensamblan los segmentos correspondientes, agregan música y efectos sonoros y de video para crear el producto final.

La importancia de la edición para el éxito de una producción es mucho mayor de lo que usualmente se piensa. Como pronto veremos, un editor puede salvar o acabar con una producción

Las Tres Fases de Producción

El proceso de producción es comúnmente dividido en pre-producción, producción y post-producción.

Existe un dicho en la producción de TV:

La fase más importante de la
producción es la pre-producción.

La importancia de esta fase es usualmente admitida después de que las cosas han salido mal; entonces las personas hubiesen deseado apegarse a este axioma desde un principio.   

La Fase de Pre-producción

En la pre-producción las ideas básicas y propuestas de producción son desarrolladas y puestas en práctica. Es durante esta fase que la producción puede ser encaminada por el rumbo correcto o desviada en tal extremo que no habrá tiempo, talento o habilidad de edición que más adelante pueda salvarla.    

El Objetivo Principal

"Viaje a las Estrellas" (Star Trek) tiene su objetivo principal; la producción de TV también lo tiene:

Alcanzar a la audiencia destino.

Para que un programa sea exitoso, las necesidades, intereses y hábitos generales del target (el público que la producción pretende alcanzar) deben ser estudiados y tomados en cuenta durante cada fase de la producción.

Mientras mejor se lleve a cabo esta labor, mayor será el éxito del programa.

Para que su programa tenga un efecto valioso y duradero, la producción debe en alguna forma de "tocar" al público emocionalmente. Esta parece ser la clave del éxito y requiere de mayor explicación, cosa que haremos más tarde.

Durante la pre-producción no solamente se decide quién será el talento principal y el personal de producción, también todos los elementos principales son planificados. Debido a que asuntos como el diseño escenográfico, la iluminación y el sonido están interrelacionados, éstos deben ser coordinados en una serie de juntas (o reuniones) de producción.

Una vez que todos los elementos primordiales están en su lugar, los ensayos pueden comenzar. Un simple segmento en locación puede requerir una rápida revisión de las posiciones del talento para que los movimientos de cámara, el equipo de audio y de iluminación puedan ser vistos en funcionamiento.

Una producción compleja puede requerir muchos días de ensayo. Estos generalmente inician con una lectura en seco, donde el talento se reúne con el personal clave de la producción alrededor de una mesa para dar lectura al guión. La mayoría de las modificaciones del guión se hacen en esta fase.

Luego se pasa a un ensayo general (con vestuario). Aquí el talento utiliza el vestuario asignado y todos los elementos de producción se encuentran en sus posiciones. Esta es la última oportunidad para el personal de producción de resolver cualquier problema pendiente.

La Fase de Producción

La fase de producción es donde todos los elementos se vinculan en una suerte de realización final.

Las producciones pueden ser transmitidas en directo o grabadas. A excepción de los noticiarios, remotos deportivos y algunos eventos especiales, la mayoría de las producciones suelen grabarse para posteriormente ser transmitidos o distribuidos.

Grabar un programa o segmento permite reparar errores ya sea deteniendo la cinta, re-grabando el segmento o haciendo modificaciones durante la edición.

Finalmente, la Fase de Post-producción

Todas las labores posteriores a la producción, como desmantelar el set, las luces, empacar el equipo, cumplir con las obligaciones financieras finales y evaluar la efectividad del programa son parte de la fase de post-producción.

A pesar de que la post-producción incluye todas estas labores finales, la mayoría de las personas asocian el concepto de post-producción con el de edición.

A medida que los editores controlados por computadora y los efectos especiales de post-producción se han hecho más sofisticados, la edición se ha transformado en algo mas que tan solo ensamblar segmentos en un orden determinado. Como podrá notar, ahora es mas un asunto de creatividad.

De hecho, una vez que conozca el poder de la edición, podrá darse cuenta porque es imposible sobre-estimar su importancia. Desarrollaremos esto en otra sección.

Equipado con los más recientes efectos digitales, la fase de edición puede realzar mucho una producción. Tal vez sea demasiado fácil quedar maravillado con los avances tecnológicos y todo lo que puede hacer con las técnicas de producción y post-producción.

De cualquier forma, la televisión es básicamente un medio de comunicación. Lo demás es secundario.   

Confundir el Medio con el Mensaje

A pesar de lo divertido que pueda resultar jugar con ellos, todos estos equipos de alta tecnología son tan sólo una herramienta útil para un propósito más enaltecedor: La comunicación efectiva de ideas e información.

Si ponderamos esto, los actuales efectos especiales de "alta tecnología" se verán mas bien crudos en algunos años más. (Como se ven hoy los efectos especiales de algunas películas de hace 30 años).

Son solamente las ideas y sentimientos que logre comunicar las que tienen alguna oportunidad de perdurar.

Este medio que ahora esta aprendiendo a controlar puede ser utilizado para llenar al público de insensateces y tonterías...

...o para ofrecer ideas que cambien para bien en nuestro entorno. (¡Y definitivamente existe la necesidad de provocar una diferencia positiva en el mundo!)

¿Cómo preferiría que su trabajo fuera recordado?

Finalmente, existe lectura requerida que nos muestra cómo un país, con la participación de sus medios de comunicación, fue capaz de derrocar una dictadura corrupta.  NOTA: Las lecturas relacionadas de los módulos intentan ampliar la perspectiva y el entendimiento del impacto y responsabilidad de la televisión como medio de comunicación social.

2. Propuestas de Programas y Argumentos

Muy bien, ahora que sabe quién hace qué y posee una visión general en el proceso básico de producción, vamos a avanzar en el proceso de realización de una producción de TV.

Usted puede tener una idea muy clara en su mente de lo que desea obtener con su producción, pero, a menos que pueda comunicar claramente sus ideas a otras personas que pueden ayudarle a completar tu producción, esa idea se quedará en su estado potencial.

Entre las "personas relevantes" están el productor y director, el personal de producción, un patrocinador o cualquiera que cubra los costos de producción y, lo más importante, la audiencia.

¿Por dónde comenzar? 

Escriba la Propuesta de Programa o Argumento

El primer paso en una producción compleja es escribir un planteamiento claro y preciso de las ideas. Este resumen escrito es conocido como argumento en producciones dramáticas y como propuesta de programa (libro de producción) en producciones no dramáticas.

Esta es una propuesta de programa para una estación local de televisión ilustrada aquí.

Usualmente, el simple proceso de escribir sus ideas en papel le obliga a organizarlas y aclararlas. Este paso comúnmente revela debilidades y lagunas que pueden ser corregidos antes de que sea muy tarde (o antes de que sea cuestionado por detalles que no había considerado). 

Logre la Aceptación de su Propuesta

Conseguir la aprobación en un argumento brinda seguridad. Una vez que todo el mundo esté de acuerdo con su argumento o propuesta, difícilmente alguien dirá mas adelante que "Esto no es lo que tenía en mente."

La propuesta de programa puede ser solamente un par de páginas; o, en el caso de producciones dramáticas, un argumento puede estar integrado por 30 o más paginas.

Este es un buen punto para mencionar la importancia de escribir. Así es, yo sé que habrá escuchado esto desde que estabas en la escuela primaria. Puede haber quienes decidieron ingresar a la TV (en lugar de los medios impresos, por ejemplo), porque creyeron que en esta medio podrían escapar a la necesidad de aprender realmente a escribir.

Lo siento.

A pesar de ser un medio visual, la TV está basada en la palabra escrita. (Incluso Internet está basado en la palabra escrita.) Cuando nos damos cuenta, la habilidad para escribir y comunicar efectivamente las ideas se convierte en el más importante criterio para el éxito.

A menos que desee realizar algunos trabajos muy básicos en TV, deberá enfrentar la realidad -- mientras antes mejor. Casualmente, la mayoría de los productores de películas (los "Grandes Jefes", ¿recuerda?) llegaron a sus puestos iniciándose como escritores.

¿No preferiría terminar siendo alguien que toma las decisiones (y es pagado proporcionalmente)?

Muy bien, de regreso a los argumentos y las propuestas de programa. Aunque son escritas como parte de la presentación y para lograr los acuerdos en el enfoque y dirección de la producción, pueden también ser usados para interesar algunas personas importantes, especialmente apoyos financieros que soporten la producción.

Asegúrese de que su Propuesta Despierte el Interés e Imaginación de la Audiencia

Una propuesta o argumento debe incluir el enfoque principal de la producción, o, en el caso de una producción dramática, los lineamientos básicos de la historia. También se incluyen las locaciones y el talento requerido y algunas veces una o dos escenas clave. En producciones no dramáticas necesitan ser incluidos los tiempos aproximados de los segmentos y las necesidades básicas.

Cualquiera que lea la propuesta o el argumento debe lograr obtener una clara idea de la producción total. Si llega a haber desacuerdos en el concepto del programa, es mucho más fácil cambiar los elementos en esta etapa que después de que el guión haya sido terminado.

Breves instrucciones para escribir un argumento pueden encontrarse en este apartado.

Finalmente, el argumento o propuesta de programa debe captar el interés de los lectores convenciéndolos del probable éxito de la producción -- lo cual nos lleva a la siguiente sección.

3. Capturar y Retener la Atención del Espectador

Sería difícil pensar en algún negocio mas competido que la TV. El espectador promedio en los Estados Unidos puede escoger entre docenas de canales de TV.

Cada año cientos de millones de dólares son invertidos tratando de crear programas de TV exitosos. Y cada año, por lo menos a nivel de cadenas, la mayoría de estos intentos fallan.  

Pero primero ¡Debes Obtener su Atención!

El éxito de un programa de TV (y por lo tanto, probablemente tu propio éxito profesional) dependerá en gran medida de tu habilidad para capturar y retener efectivamente la atención de la audiencia. Y por supuesto, una vez que lo logres, más vale que tengas algo interesante que comunicar o rápidamente la audiencia se irá a otro lugar (ya sea sintonizando otro canal o simplemente ignorándote).

Probablemente pienses "Yo no quiero preocuparme por eso, yo solo quiero hacer programas de TV que me gusten a mi." ¿Muy bien pero, quién va a pagar por ellos?

¿Muy bien pero, quién va a pagar por ellos?

Realidad 101: Un Curso de Economía Requerido

Demos un rápido vistazo a nuestras notas del curso Realidad 101.

Las producciones de TV cuestan mucho dinero. Un millón de dólares por hora es adecuado para una cadena de producción. (N del T: en países latinoamericanos la cifra a veces llegas a cientos de miles, pero usualmente es menor)

Antes de que alguien aporte esa cantidad de dinero ellos tienen que creer verdaderamente que habrá alguna clase de retorno por su inversión.

Dependiendo del tipo de producción, esta retribución puede ser comunicar efectivamente un mensaje corporativo, lograr que las personas compren un producto o servicio, lograr que los espectadores comprendan una serie de conceptos, o, en el caso de la televisión comercial, generar plusvalía por la venta de productos.

Dale al Blanco (Audiencia)

Usamos el término de target audience para indicar el segmento específico de audiencia potencial al que estamos "apuntando."

Los publicistas tiene ciertamente preferencias demográficas. Si estás vendiendo jeans de marca, por ejemplo, tu target audience serían adolescentes de buen nivel económico y muy probablemente no estarías interesado en patrocinar repeticiones de "Reportera del Crimen" (Murder, She Wrote), que apuntan a una audiencia más madura.

Así que, sin importar que tipo de producción esté pensando hacer, debe comenzar con un claro entendimiento de las necesidades e intereses de su audiencia destino.

Los publicistas gastan millones de dólares determinando las necesidades e intereses de grupos específicos de audiencia destino para sus productos. Por cierto, los principios para determinar las necesidades e intereses de su audiencia destino son también aplicables a algo tan simple como producir un video para su clase.

Si el video fuese a ser solamente evaluado por un profesor, indudablemente tomaría una aproximación diferente a la realización de un video para la fiesta de graduación. En cada caso, conocer las necesidades de la audiencia destino es la clave del éxito..

Veamos unos cuantos asuntos relacionados con esto. 

Usando Técnicas de Captura de Audiencia

Podemos darnos cuenta que las audiencias básicamente reaccionan emocionalmente al contenido de un programa.

Aún una presentación educativa evoca -- para bien o mal -- una respuesta emotiva. Aunque las personas creen que están siendo completamente lógicos al evaluar el programa, es su reacción emocional básica la que mas influye en su evaluación.

¿Que tipo de contenidos involucran emocionalmente a una audiencia en la producción?

Primero, todos parecemos tener interés en otras personas; especialmente en "vivir vicariamente las experiencias" de otras personas. Estamos interesados en personas que protagonizan vidas interesantes (románticas, peligrosas, miserables o profundamente espirituales).

Parte de este interés radica en obtener nuevas perspectivas y estar expuestos a nuevos puntos de vista, incluyendo aprender cosas nuevas.

También disfrutamos de contenidos que refuercen nuestras actitudes existentes, y tendemos a reaccionar a ideas contrarias a nuestras creencias. Los productores deben tener cuidado de no presentar ideas radicalmente contrarias a creencias ampliamente arraigadas -- aunque exista evidencia que avale puntos de vista alternativos.

El truco es saber qué tan lejos puedes ir sin perturbar a la audiencia. Por citar un ejemplo extremo, algunos años atrás una estación de TV de la Costa Este de los Estados Unidos denunció a un jefe de policía local. Un reportero clandestino colocó una cámara en una lonchera y grabó al jefe de policía aceptando un soborno.

Cuando el video fue transmitido hubo una reacción negativa contra la estación de TV. Aparentemente, el jefe de policía era popular en la comunidad y presentar la verdad de esta manera les resultó inquietante. Esta reacción emocional negativa de muchos espectadores fue seguida por intentos de justificar lógicamente sus sentimientos: difamación, un medio liberal contra la ley y el orden etc.

Esta no fue la primera vez por supuesto que el mensajero fue culpado por el mensaje.

La misma reacción negativa anti-media tuvo lugar con algunas personas cuando el Presidente estadounidense Richard Nixon se vió obligado a renunciar por actividades ilegales durante su mandato en la Casa Blanca. Quizas quiera alquilar la película "Todos los Hombres del Presidente" (All the President's Men) en video para ver cómo sucedió esto. El film representa no solamente un importante momento en la historia de los Estados Unidos sino que además ilustra como dos tenaces reporteros hacen tambalear al Presidente de los Estados Unidos.

Aunque revelar la verdad no sea siempre recibido con entusiasmo, sabemos que para que una democracia funcione los medios tienen la responsabilidad social de presentar la verdad aunque duela a algunas personas.

De hecho, si los medios abandonaran su papel de "perro guardián", el futuro del sistema democrático estaría muy comprometido.

Pero no hay que entender mal esto; muchas personas gustan de un buen escándalo -- mientras no esté involucrado alguien allegado. Por ello funcionan tan bien todos esos tabloides amarillistas (publicaciones semanales en el puesto de revistas) -- y también los programas de TV con este mismo estilo.

La audiencia también prefiere cosas novedosas, y temas que generan apelan al interés. Indudablemente por esto el misterio, sexo, miedo, violencia y horror arrojan tan buenos resultados en taquilla. También explica por qué vemos tantas persecuciones de autos, explosiones y excesos en filmes y programas de TV.

Estas cosas hacen fluir la adrenalina, nos involucran emocionalmente; en definitiva, atrapan nuestra atención.

Esto por supuesto abre la posibilidad de explotación -- presentando temas que apelan a la naturaleza humana que -- ¿cómo podemos decirlo? -- no es del todo positiva. Algunas veces existe una línea muy delgada entre presentar ideas o historias con honestidad o enfatizar excesivamente elementos como el sexo y la violencia solo para procurar capturar audiencia.

Pasando cierto límite la audiencia se sentirá explotada y manipulada y se resentirá. Y hay que recordar que bueno o malo el contenido de una producción arrastra la reputación de sus productores (e incluso de los patrocinadores).

Con este marco general de programación referente a la audiencia en mente, podemos pasar a plasmar las ideas en papel: el guión.

Pero antes, aquí esta una lectura requerida para esta sección.

4. La Secuencia de Producción

Para empezar debemos pensar en grande.

Los siguientes 15 pasos cubren las etapas de producción involucradas en una producción ambiciosa. Una vez que obtenga una idea general del proceso, puedes ajustar las cosas de acuerdo a las dimensiones de la producción que tenga en mente.

Identifique el Objetivo de la Producción

1. El paso más importante es el primero: identificar claramente las metas y objetivos de la producción.

Si no hay un entendimiento claro de las metas y propósitos de una producción será imposible evaluar su éxito. (¿Como puede saber si ha llegado a algún lugar si no sabía hacia donde iba?)

¿Es el objetivo instruir, informar, entretener o posiblemente generar sentimientos de orgullo, o necesidades sociales, religiosas o políticas? Posiblemente, el propósito de la producción sea crear un deseo en la audiencia que los lleve a alguna acción.

La mayoría de las producciones por supuesto tienen más de una meta. Trabajaremos sobre esto más tarde.   

Analice su Audiencia

2. El paso siguiente es, identificar y analizar su target o audiencia específica..

Basado en elementos como sexo, edad, estrato socioeconómico, nivel educativo, etc., los contenidos de un programa diferirán. Estas preferencias son también diferentes para partes diferentes de los Estados Unidos (Norte, Sur, zona urbana, rural, etc.). (N. del T.: Igualmente distintos países y regiones en América Latina tienen preferencias y realidades sociales distintas)

Estas variantes regionales pueden en parte ser inferidas por diferencias en la programación local en diferentes partes del país -- y algunas veces por los filmes y la programación que algunas estaciones locales se rehúsan a transmitir.

La Demografía Determina
La Aceptación de Algunos Contenidos.

En términos generales (aunque por supuesto existen muchas excepciones) cuando se trata de temas sexuales la gente que vive en zonas urbanas del Norte tienden a ser mas tolerantes que las personas que poseen un antecedente rural y viven en el Sur de los Estados Unidos.

La educación esta también relacionada. Investigaciones demuestran que, en general, mientras más educación tenga una audiencia habrá menos rechazo a temáticas sexuales. Curiosamente parece que esta relación se invierte cuando se trata de violencia.

¿Por qué es importante conocer estos asuntos?

He aquí un ejemplo.

Sabiendo que decenas de miles de mujeres mueren cada año por cáncer de seno, la gerente de programación de una estación de TV en el sur de los Estados Unidos decide transmitir un mensaje de servicio público sobre el auto examen de mama -- un procedimiento que puede salvar numerosas vidas. Aunque el mensaje pasó tarde en la noche, de inmediato hubo una reacción negativa. El mensaje tuvo que ser cancelado.

Al mismo tiempo, estaciones comerciales transmitieron programas con desnudos frontales totales sin ninguna reacción apreciable. ¿La diferencia? Demografía. La gente que era mas apta para protestar no estaba frente al televisor y los que si lo vieron eran menos propensos a protestar.

Tal vez usted quiera "decir las cosas como son" sin preocuparse si perturba a su audiencia. (Después de todo si ellos no pueden aceptar la realidad, ese es su problema, ¿correcto?)

Es hora de revisar esas notas de "Realidad para Principiantes" que dicen que si constantemente ofende las preferencias y costumbres de la audiencia, tendrá un futuro muy limitado en el campo de la producción de TV.

Pero ¿qué sucede si no está produciendo para distribución general?

Al comprarse con la televisión de transmisión comercial, la televisión institucional, que incluye el video corporativo y educativo, tiene diferentes requerimientos y expectativas. Pero aquí también las características demográficas como edad, sexo y educación influencian el formato y contenido de producción.

En la televisión institucional el productor y el escritor también deben tener cuidado con las experiencias, educación, necesidades y expectativas de la audiencia.

Por ejemplo subestimar la educación o experiencia e inadvertidamente "hablar por debajo de" el nivel de una audiencia puede insultarlos. Sobrestimar la educación o experiencia y hablar por encima de todos es también negativo. De cualquier forma los pierde.

Analice Producciones Similares

3. Analice producciones similares hechas en el pasado. Si va a cometer errores, por lo menos que sean nuevos.

Pregúntese, ¿En qué difiere su propuesta de los éxitos o fracasos anteriormente realizados? ¿Por qué funcionaron y por qué no? Por supuesto, debe tomar en consideración la diferencia de épocas, locaciones y audiencias. (Los estilos de producción cambian rápidamente.) 

Determine el Valor Básico de su Producción

4. El próximo paso es, determinar para el productor o patrocinador el costo total de la producción. Obviamente, el cliente o anunciante requiere de una retribución para su inversión. Aunque vamos a hablar de los costos de producción mas adelante, queremos dejar claro que podemos justificar el costo de producción en términos de cierta ganancia en relación a la inversión.

Para ello tendrá que hacerse más preguntas. Primero, ¿Cual es el nivel probable de audiencia? Debe tomar en cuenta si acaso será una presentación única o si mas bien, los costos de producción podrán ser amortizados en el tiempo presentando el programa a otras audiencias.

Generalmente, mientras mayor la audiencia mas rentable la producción para clientes y patrocinadores. Pero los números no lo dicen todo.

Digamos que un anunciante tiene un producto diseñado para gente joven -- zapatos atléticos o jeans, por ejemplo. En este caso, una producción que atrae un gran porcentaje de este grupo de edad será más valiosa que una producción que posee una mayor audiencia general, pero con un menor porcentaje de gente joven.

El precio de una producción para un anunciante o asegurador tiene estar realacionado con el costo proyectado de realización y presentación de la misma. Si el costo excede los ingresos, ¡está en problemas!  

Considere la Recuperación de la Inversión

En la televisión comercial la "ganancia sobre inversión" es generalmente en forma de aumento de ventas y beneficios. Pero puede aparecer como beneficios derivados del programa, influencias morales, políticas, espirituales o de relaciones públicas   

Desarrolle un Argumento o Propuesta de Programa

5. El paso siguiente es, escribirlo todo. Existen varios pasos que cimentarán la estructura entre la propuesta inicial al guión final de producción. Como recordará ya vimos los argumentos y propuestas de programa en un módulo anterior.

Una vez que la propuesta o argumento es aprobado, se requiere un guión completo. (Recuerde que estamos hablando de una producción de envergadura.) Es en este punto que la investigación restante es comisionada. Si el guión ha sido creado para alguien que prefiere la TV de los 60's, necesitamos verificar que otros programas están siendo programados para este segmento. (No veríamos un episodio de "Guardianes de la Bahía" (Baywatch) en la pantalla durante un documental de J.Edgar Hoover por ejemplo.)

La primer versión del guión es casi siempre la primera de muchas revisiones. Durante el proceso de revisión, una serie de conferencias de historia o conferencias de guión toman lugar mientras el escrito es examinado por algunas de las personas clave. Durante estas sesiones, asuntos como el perfil de la audiencia, ritmo, problemas con sub-grupos étnicos y religiosos, etc., son solucionados y son consideradas ideas alternativas.

Si es una producción institucional, los objetivos de producción serán revisados y refinados y se tomarán decisiones acerca de la manera mas efectiva de presentar las ideas. Si el director ya ha sido elegido (paso #7), él o ella deberá ser parte de estas deliberaciones.

El producto de todo ello es una versión del guión más o menos aceptable para todos. No obstante, ésta versión probablemente no será la definitiva. En algunos casos alguna escena puede estar siendo modificada en el mismo momento de su grabación.

Usualmente en la producción de films cada nueva versión es elaborada en un papel de color diferente para que el elenco y el personal no se confunda con versiones anteriores. (¡Margaret, despierta; estas siguiendo las páginas rosas y estamos en amarillo ahora!!)

Dependiendo del tipo de producción, un storyboard puede ser necesario. Un storyboard consiste en dibujos de las escenas clave con los diálogos correspondientes, sonido, efectos, música, etc. Es una especie de "comic" con detalles de producción

Desarrolle un plan de Producción

6. El siguiente paso es organizar una plan tentativo. Generalmente el día límite de transmisión o de distribución determinara el plan de producción (la tabla de tiempos escrita que lista el tiempo destinado para cada paso desde el inicio hasta el final de producción).

Cuando no se planifica cuidadosamente puede no llegarse a una importante fecha límite, y puede incluso llegar perderse la producción.

Seleccione el Personal de Producción

7. En esta etapa el personal faltante es integrado a la producción. Además del productor y el guionista, el personal clave incluye el gerente de producción, director y en general los miembros del equipo creativo. El personal general, que incluye el equipo técnico generalmente es contratado o asignado más adelante.

Seleccione las Locaciones

8. El paso siguiente consiste, si la producción no es realizada en estudio, en decidir las principales locaciones. En una producción de envergadura un coordinador de locación o gerente de locación es contratado para encontrar y coordinar el uso de las locaciones sugeridas en el guión.

Aunque puede ser mucho más fácil grabar en un estudio de TV, los espectadores prefieren la autenticidad de locaciones reales, especialmente en producciones dramáticas.

Muchas ciudades que desean fomentar la producción de películas y TV poseen oficinas (Film Commissions) que ponen a disposición fotografías y videos de locaciones selectas en el área. Estas comisiones existen en las grandes ciudades de Estados Unidos (y en muchos países) y proveen información sobre los derechos de utilización y las personas que necesitan ser contactadas.

A menudo es necesario hacer cambios en los sets en locación. Algunos espacios pueden necesitar pintura o deben ser re-decorados, cambiar letreros, etc 

Seleccione el Talento - Vestuario y Escenografía

9. El paso siguiente consiste en tomar algunas decisiones sobre el talento, vestuario y los sets.

Dependiendo del tipo de producción, se pueden llevar a cabo audiciones en esta etapa como parte del proceso de casting (selección de las personas para los diferentes roles). Una vez que se toman las decisiones, los contratos son negociados y firmados. (Si tiene la suerte de poder contar con actores conocidos, es probablemente porque ya habían sido seleccionados previamente en la pre-producción.)

Una vez que el talento o actores son contratados, la selección del vestuario puede comenzar.

El escenógrafo revisará el guión, probablemente realice una investigación y entonces discutirá sus ideas con el director. Una vez que se llegue a un acuerdo, presentará bocetos de los sets para una aprobación antes de comenzar con la construcción.

Los ensayos son programados desde las primeras lecturas (dry run) hasta los ensayos generales con vestuario (dress rehearsal). Aunque los sets todavía no hyan sido terminados, el talento puede empezar lecturas del guión con el director para estabelecer, ritmo, énfasis y las marcas básicas (posiciónes en el set, muebles, cámaras, actores, etc.) Una vez que los sets son terminados, el marcado final y los ensayos generales con vestuario pueden llevarse a cabo.   

Seleccione el Personal de Producción Restante

10. Toma las decisiones sobre las necesidades y el personal restante de producción. En esta etapa pueden llevarse a cabo acuerdos sobre el personal técnico clave y las facilidades de producción. El transporte, abastecimiento o catering (por medio de camiones de alimentos y bebidas) y hospedaje en locación (para estadías nocturnas) debe también ser negociado.

Si existen sindicatos involucrados, sus contratos deben cubrir una descripción del trabajo y responsabilidades específicas del personal. Las horas de trabajo incluyendo incrementos graduales de pago por horas extras deben ser también acordados. Además, usualmente los sindicatos fijan un estándar mínimo de calidad de transporte, alimentos y hospedaje.   

Obtenga Permisos, Seguros y Acreditaciones

11. En las grandes ciudades y muchos países no es posible solamente llegar en la locación deseada y comenzar a grabar. Deberá obtener permisos de acceso, licencias, fianzas o garantías y pólizas de seguro. A excepción de noticias y segmentos documentales muy cortos, los permisos son invariablemente requeridos. Muchas locaciones interiores semi-públicas, como centros comerciales exigen también permisos de grabación.

Dependiendo de la naturaleza de la producción, pólizas de riesgo locativo y daños a la propiedad de terceros, así como fianzas de fiel cumplimiento pueden ser necesarias en caso de que ocurran accidentes directa o indirectamente atribuibles a la producción.

En algunas locaciones la oficina burocrática encargada limitará la producción exterior a ciertas áreas y horarios específicos. Si existe una escena en la calle y el tráfico puede ser afectado, será necesario solicitar acuerdos para asistencia policíaca especial.

Para completar la dicha, usted deberá de hacerse de una amplia variedad de permisos y licencias. Estas varían desde permisos para usar música pre-grabada hasta reservación de tiempo de satélite. Si la acreditación no puede ser obtenida, deben considerarse rápidamente algunas alternativas.

Seleccione Insercopmes de Video, Imágenes Fijas y Gráficos

12. Según el progreso de la producción, las inserciones del programa pueden ser seleccionadas y grabadas por una segunda unidad de trabajo. Durante esta fase pueden llevarse acuerdos para grabar y adquirir los derechos de uso de videos preexistentes, imágenes fijas y gráficos. Muchas veces es posible ubicar y adquirir material existente de filmes o videotecas en varias servicios especializados, que ahorra costos de producción o permite obtener una toma (histórica por ejemplo) imposible de obtener por otros medios.

Si el material necesario no está disponible o no cubre las expectativas de producción, una segunda unidad de debe ser configurada para producir los segmentos necesarios. El trabajo de la segunda unidad es una producción hecha separadamente de la locación principal y con un equipo de producción separado. Generalmente no incluye el talento principal en cámara.

Si alguna parte de una producción dramática requiere de un edificio específico, por ejemplo una segunda unidad puede grabar los exteriores necesarios en Chicago, mientras que las tomas interiores (Que supuestamente se llevan a cabo en un edificio de Chicago) son realmente grabadas en Los Ángeles (donde viven los actores).

Las decisiones sobre la música son tomadas en esta etapa. La licencias de uso y pagos por derechos de autor son acordados para los elementos musicales y visuales. (Estas cuestiones serán discutidas más a detalle más adelante.)

Los Ensayos y la Grabación

13. Dependiendo del tipo de producción, el ensayo puede llevarse a cabo minutos o días antes de la grabación. Las producciones grabadas en caliente (sin parar a excepción de problemas mayores) deben ser completamente ensayadas antes de comenzar. Esto incluye lecturas, ensayos de cámara y uno o más ensayos generales con vestuario.

Las producciones al estilo cinematográfico con una sola cámara, son grabadas escena por escena. Los ensayos generalmente se llevan a cabo poco antes de grabar la escena  

La Fase de Edición

14. Completadas las tomas, las cintas deben ser revisadas por el productor, el director y el editor quienes toman decisiones sobre la edición. Para producciones de cierto calibre esto se hace tradicionalmente en dos fases.

Primero se lleva a cabo una edición en off-line, usando copias de las cintas originales. Las decisiones tomadas durante la edición en off son usualmente editadas en una copia con código de tiempo correspondiente a las tomas originales. Usando estas cintas editadas y una bitácora de edición (lista de decisiones de edición) como guía, el productor puede continuar en la edición en línea (On-Line), donde es usado equipo mas sofisticado (y costoso) para crear el master editado, que es la versión final de la producción. Durante esta fase de edición On-line se llevan a cabo todos los ajustes necesarios de sonido, balance de color y efectos especiales.

A medida de que se incrementa el uso de sistemas no-lineales digitales de alta calidad (será discutido posteriormente), la necesidad de efectuar ediciones en off-line para posteriormente editar On-Line está siendo superada, o al menos será una opción. En virtud de que la edición es un importante paso creativo, la desarrollaremos en detalle más adelante.

Seguimiento de la Post-producción

15. Aunque la mayoría del personal de producción habrá concluido su trabajo una vez que producción esté en esta fase todavía hay mucho que hacer en el seguimiento de la producción. Cuentas finales son pagadas, estados financieros cerrados, y el éxito o fracaso de la producción es determinado. En las transmisiones de televisión, existen ratings; en la televisión institucional puede haber pruebas, evaluaciones o simplemente retroalimentación del espectador para ser considerados.

5. El Guión -- Elemento Clave en la Producción

Después de haber dado un vistazo al proceso de producción podemos pasar a analizar el elemento clave en el proceso de producción: el guión.

Existen programas semi-escritos y shows completamente escritos (no precisamente una larga lista para memorizar).

En la primer categoría se encuentran las entrevistas, discusiones, programas de participación, de variedad y espectáculos. El guión para shows semi-escritos se asemeja a un esquema básico que contiene únicamente los segmentos del programa y los tiempos indicados para cada uno.

Aunque los guiones para shows semi-escritos pueden ser comparativamente fáciles de escribir, este tipo de programas ponen presión al director y al talento para predecir cómo van a suceder las cosas -- y tratar de realizarlo "al vuelo" para que funcione.

En contraste, los guiones para programas completamente escritos contienen al audio y video completo para cada segundo. En el programa completamente escrito el contenido general, el balance, el ritmo y los tiempos pueden ser determinados antes de que comience la producción. Las sorpresas desagradables son minimizadas (nótese que no dijimos eliminadas).   

De lo Concreto a lo Abstracto

Los documentales y noticias muy impactantes deben ser razonablemente concretas; esto quiere decir que la información debe (idealmente) ser presentada tan claramente que la posibilidad de una mala interpretación quede eliminada. Mientras más capaz sea de presentar sus ideas con claridad, tendrá mayor éxito.

Un guión de noticias será un poco diferente en su aproximación y estructura a un guión para un reportaje especial, comentarios más comunes, videos musicales o una producciones dramáticas. En los últimos casos es preferible no ser tan concreto -- dando espacio para la interpretación personal.

Veamos algunos ejemplos.

Un video instruccional sobre cómo utilizar un programa de software debe ser lo más concreto posible. Dada la naturaleza de las computadoras y sus programas, la información debe ser presentada en una forma clara paso a paso.

Aunque el material debe ser presentado de manera creativa, interesante y divertida, la efectividad de este tipo de producción radica en que la audiencia reciba la una idea clara del procedimiento.

El objetivo es fácil de evaluar. Si la mayoría de las personas que vieron el video puede utilizar el programa, se alcanzó el objetivo, si no, no se tuvo éxito.

En contraste, podemos hablar de un programa de Jazzercise o de moda actual. Tomando en cuenta el hecho innegable de que la audiencia ha visto grandes cantidades de segmentos de televisión sobre moda, el primer reto se convierte en cómo abordar el tema de una manera fresca y creativa, que llame la atención.

 A diferencia de los paquetes de software o los equipos estéreo, la moda no se vende en base a especificaciones técnicas; Simplemente se apela al ego y a las emociones. Así que al producir el programa de modas no estamos interesados en comunicar hechos sino en generar sensaciones emocionantes sobre moda actual. Queremos crear una respuesta emocional.

Igualmente, una noticia "suave" o un programa de "jazzercise" no se centra en los hechos sino en la acción. Su objetivo es comunicar algo acerca del sentir que implica el ejercicio, y la sensación de bienestar que tiene trae un cuerpo sano, firme y delgado.

Una vez que se establece la intención y el enfoque de la producción y que se precisan las características de la audiencia, entonces los elementos del programa pueden ser seleccionados y ordenados.

La manera más común de organizar los contenidos en el guión es una secuencia lógica lineal -- especialmente cuando la información debe ser presentada paso a paso. Un ejemplo sería el video instruccional para computadoras ya citado. Aunque a menudo es recomendable abandonar la estructura lineal -- porque puede resultar predecible y aburrida.

En algunas producciones el uso de técnicas como el flashback (regreso en el tiempo momentáneo) o las historias paralelas (dos o mas historias ocurriendo paralelamente) dan variedad y aumentan el interés en el programa.

Pero haga lo que haga, asegúrese de presentar la información de forma que mantengan la atención y el interés de la audiencia. Esto se logra apelando a sus emociones, logrando que se involucren en los acontecimientos, presentando las ideas en una forma fresca y creativa y usando variedad auditiva y visual.

Recuerde, si pierde la atención de su audiencia, el producto de todo el esfuerzo se ve seriamente comprometido.

El perfil de la producción del que hemos estado hablando puede ser útil para organizar y visualizar los elementos de producción. A medida que desarrolle las escena del perfil de producción (o guión) en su imaginación, encontrará algunos puntos débiles que hacen decaer la atención del espectador. Es allí que deberá concentrar su esfuerzo y hacer cambios.

Dando Vida a una Entrevista

Nos guste o no, las entrevistas son el pilar de muchas o casi todas las producciones no dramáticas. Por ello, y por la dificultad que existe para hacer una entrevista interesante, debemos ponerle especial atención.

Aunque las "cabezas parlantes" pueden ser demasiado aburridas, la credibilidad y autenticidad derivada de obtener la información directamente de una fuente veraz es muchas veces mejor que tener un narrador presente dando la misma información. Por lo menos estamos obteniendo información directamente de la fuente.

Audio y video pueden ser insertados en un programa basados en la entrevista; Igualmente se puede cambiar a nuevos testimonios en otras locaciones que agregan variedad a la misma.

A menos que la persona entrevistada a cámara sea un orador excepcional o que los eventos sean altamente dramáticos, las entrevistas deben ser aprovechadas en segmentos cortos.

Tome en cuenta que una vez que hemos visto como se ve alguien en cámara, muy poco podemos ganar manteniendo la misma imagen mientras la persona continúa hablando. Si en vez de ello, mantenemos el sonido mientras cortamos a imágenes relativas al tema (material de apoyo o roll-B) se aumenta interés y ritmo.

El roll-B (material de apoyo) consiste de tomas a personas, objetos o lugares referentes a la entrevista básica (llamada también roll-A). Estas tomas son editadas sobre la entrevista básica, y anexan información visual que puede ser de ayuda para la comprensión del tema discutido.

Cuando se planifica una entrevista se debe planificar también las tomas secundarias para complementar la discusión. Muchas veces es imposible saber qué material adicional hay que grabar hasta haber realizado la entrevista; En esos casos mantenga sus opciones abiertas y prepárese para reaccionar rápidamente.

Alternar los casetes de grabación entre la entrevista y el roll-B en una manera coherente (incluso esclarecedora) durante la edición es una aspecto clave del proceso.

Muchos escritores experimentados (con buena memoria) solicitan solamente leer la entrevista e ir revisando la grabación de las tomas secundarias, mientras toman notas sobre las tomas y códigos de tiempo cuando preparan sus guiones basados en entrevistas. Esto no es sólo difícil, sino que aumenta el margen de error y mala interpretación durante la edición -- especialmente cuando es otro quien edita.

Una mejor manera.

El código de tiempo o "time code", a veces llamado código SMPTE/EBU, es un número de ocho dígitos que identifica exactamente las horas, minutos, segundos y cuadros en una secuencia de video. Utilizando estos números, que marcan puntos exactos en el video, puede especificarse en el guión las imágenes necesarias con absoluta precisión. Si los puntos de entrada y salida de las tomas necesarias están especificados con código de tiempo en el guión, las posibilidades de error y malos entendimientos son prácticamente eliminadas. Hablaremos más del código de tiempo en la sección de edición.

Los guionistas que prefieren un método sistemático, comienzan por obtener una trascripción de la entrevista capturada en una computadora (generalmente con referencias del código de tiempo). Esto es especialmente valioso si las entrevistas son largas y numerosas y necesitan ser desglosadas y reorganizadas.

Una vez en la computadora, puede buscar de frases o palabras con ayuda del procesador de palabras y así localizar instantáneamente segmentos de la entrevista. Estos segmentos pueden ser condensados, reorganizados y ensamblados en pantalla en procura de un flujo más lógico e interesante.

La mayoría de los procesadores de palabra permiten tener dos o más ventanas en pantalla. Utilizando esta ventaja la trascripción de la entrevista puede ser revisada en una ventana mientras el guión es redactado en la otra. Entonces el proceso se convierte simplemente en cortar y pegar texto de una ventana a otra.

Si el código de tiempo esta además asociado con los segmentos de video, pueden solamente escribirse los códigos de entrada y salida que se requieren. Las referencias de código de tiempos deben usarse también para las grabaciones necesarias de las tomas de apoyo.

Cuando es necesario explicar o ampliar puntos y establecer conexiones entre segmentos, la narración debe ser escrita por el guionista. Generalmente, un locutor leerá estos textos sobre el roll-B.

Al elaborar el guión debe estar alerta para encontrar la forma más efectiva de comunicar las ideas.

Algunas veces la mejor manera de hacer esto es haciéndose preguntas a si mismo. ¿Cual será la mejor técnica para ilustrar un punto necesario: un narrador, un segmento corto de alguna entrevista, una secuencia animada, una gráfica o una imagen fija?

A medida que se van conjugando los elementos, piensa en usted mismo como espectador y trate de visualizar exactamente lo que estaría pasando en cada momento. Se dice que los grandes compositores pueden escuchar cada instrumento en su cabeza mientras escriben su música. De la misma manera los guionistas deben ser capaces de visualizar las escenas mientras elaboran el guión.

Para obtener un ritmo adecuado es recomendable evitar segmentos largos y lentos, ni siquiera segmentos largos de ritmo acelerado. Ambos pueden fatigar a la audiencia.

A excepción de montajes cortos de ritmo rápido, los segmentos de cada escena deben durar por lo menos tres segundos. De manera inversa, solo una escena llena de acción intensa será capaz de retener a la audiencia por más de un minuto. (Escenas de cinco a diez segundos están más cercanas a la norma.)

Lo más importante de una producción son el principio y el final. Para lograr y retener la atención una producción debe capturar a la audiencia rápidamente. Y para dejar una impresión positiva en la audiencia la producción debe tener un final impactante. En el medio se debe conservar el interés variando el ritmo, el contenido emocional y el estilo de presentación.

No es una tarea fácil

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Un argumento consiste en un condensado escrito sobre el film o la producción dramática de TV propuesta. Este cubre las ideas básicas y los capítulos de producción. Los Personajes principales, locaciones y ángulos de la historia son incluidos.

Su propósito en parte es vender la propuesta a apoyos financieros y estrellas. Los argumentos deben lograr captar la atención y proporcionar una interesante lectura. Están escritos en tiempo presente y usualmente son leídos como una historia corta.

El argumento cubre la secuencia de la historia y algunas veces contiene ejemplos de los diálogos clave. No existe una extensión determinada; solamente lo que se requiera para cubrir la historia. Muy largo probablemente aburra al lector; muy corto podría dejar algunas preguntas sin respuesta.