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¿Puede un constructor hacer una casa o una oficina sin entender los planos del arquitecto?

De la misma manera el personal clave de producción debe comprender los conceptos básicos del guión antes de tratar de llevarlo a la realización.

Una guía completa para escribir los diferentes tipos de guiones usados en la televisión está más allá de este curso. Pero al mismo tiempo esta es una de esas áreas en que "saber es poder". Mientras más comprenda acerca de un elemento de producción -- en este caso el guión -- mayor es su oportunidad de tener éxito.

Al completar este módulo no solamente conocerá todos los elementos estructurales importantes del guión, si no que además tendrá una buena base para comenzar a escribir uno. (Recuerde que el camino más transitado hacia la producción es a través de la escritura).

Hace muchos años, uno de mis estudiantes de producción de TV estaba comiendo en un restaurante en Miami cuando vió a David Brinkley, uno de los mas experimentados y respetados corresponsales de todos los tiempos, comiendo en una mesa cercana. El estudiante audazmente fue hacia Mr. Brinkley y se presento a sí mismo como un aspirante al mundo del periodismo televisivo.

Mr. Brinkley, según el relato, bajó su tenedor, ponderó la pregunta por un momento y replicó, "Tres cosas: Aprende a escribir. Aprende a escribir. Y, Aprende a escribir."

Aunque puede aprender los principios básicos de escritura aquí o en un buen libro sobre el tema, la única manera de convertirse en un buen escritor es escribiendo.

Los más exitosos guionistas pasaron años redactando antes de lograr "hacerlo bien" ? o al menos lo suficientemente como bien para comenzar a ganar dinero por su trabajo. En este sentido las fallas iniciales, no son fallas del todo, son pre-requisitos para lograr el éxito.

Así que, no se desanime si en un principio no gana un premio de la Academia o el Pulitzer. Solo piense que la lista de profesionales que pasaron años tratando de hacerlo bien -- sin perder la esperanza, descorazonarse o rendirse a la frustración -- es exactamente igual a la lista de escritores exitosos.

El éxito, parafraseando las palabras de Albert Einstein, (un genio certificado) es 10 por ciento inspiración y 90 por ciento transpiración.

Tome en cuenta que escribir para un medio electrónico es diferente a escribir para un medio impreso. Aquellos que escriben para impresos tienen algunas ventajas que sus colegas en radio y TV no tienen.

Por ejemplo, un lector puede volver a leer una frase. Si una frase no es comprendida en una producción de TV, el sentido se pierde; o peor, el espectador se distrae por algún tiempo tratando de entender que fue lo que se dijo.

Con la palabra escrita asuntos como la división de capítulos, párrafos, subtítulos e itálicas y negritas guían al lector. Y la gramática de los signos de expresión pueden indicar su significado.

Como la narración debe ser llevada en un estilo más coloquial, las reglas de puntuación algunas veces no son respetadas. Comas y puntos suspensivos son comúnmente usados para designar pausas. A menudo no se escriben oraciones completas? sino mas bien, tal y como son usadas en una conversación normal.

Aunque estas formas de redacción son incongruentes con la escritura formal -- y tu profesor de Castellano no siempre las aceptaría -- las variaciones ejemplificadas van en pos de la claridad en la narración escrita.

La forma en la que percibimos la información verbal también complica las cosas. Cuando leemos vemos las palabras en grupos o patrones de construcción. Esto nos ayuda a comprender el significado. Pero, cuando escuchamos algo que se ha dicho, la información es captada palabra por palabra. Para lograr comprender una oración debemos retener las primeras palabras en la memoria mientras vamos sumando las subsecuentes? hasta que la oración es terminada. Si la oración es muy compleja o toma mucho tiempo descifrarla, el significado se pierde o se confunde

El Estilo para "el aire"

Los guiones de video son escritos en lo que se conoce como el estilo para "el aire". Esto quiere decir que los guiones de video usan oraciones cortas, concisas y directas. Las palabras innecesarias son desechadas.

No se dice "en este momento" cuando se quiere decir "ahora". No se dice "muy cerca", cuando queremos decir "cerca".

La voz activa es preferible que la voz pasiva, los verbos y sustantivos se usan en vez de los adjetivos, y las palabras específicas se eligen sobre los términos genéricos. En el estilo para el aire necesita evitar oraciones subordinadas.

También es válido apoyarse en los signos de puntuación, especialmente comas, para indicar pausas en la locución, aún y cuando sea gramaticalmente incorrecto. (Sólo recuerde para qué y para quién está redactando cuando esté frente al teclado.)

La atribución aparece al inicio de la oración ("De acuerdo con el Cirujano General?") en lugar de colocarla al final, lo cual es común en la redacción para prensa escrita. En el aire queremos saber desde el principio "quién está diciendo" eso.

Comenzamos por notar que la prensa escrita y el aire tienen muchas diferencias ? y es. Pero, en un esfuerzo para comunicar información más rápida y claramente, publicaciones como USA Today han adoptado un estilo mas cercano al estilo que llamamos "al aire".

Probablemente una de las mejores referencias en claridad de escritura y simplicidad (en idioma Inglés) es un pequeño libro de 70 paginas de Struck & White escrito en 1959 llamado Elements of Style (Elementos de Estilo). Las primeras 27 páginas son especialmente relevantes en esta discusión.

Ya que la audiencia está acostumbrada a relacionar lo que ve en TV con lo que escucha -- generalmente en forma de diálogo o narración -- los lineamientos básicos para relacionar audio y video deben ser tomados en cuenta. Si ven algo y escuchan otra cosa, simplemente se confunden.

Aunque su intención sea lograr que el audio y el video tengan relación, evite el método "Juan corre" donde el audio afirma lo obvio. Si uno puede ver claramente lo que esta pasando en la pantalla, esto es molesto. Aunque el radio-drama debe obviar esto para dar una pista a la audiencia sobre lo que no pueden ver, ("Emma, ¿Que estas sacando del armario?") pero esto es muy raro en la TV.

La fórmula ideal es que el diálogo o narración tengan relación y complementen lo que se está en el video

Exceso de Información

Con mas de 100 canales de TV disponibles en algunas áreas y millones de páginas de información disponibles en Internet ?por mencionar solo dos fuentes de información -- uno de los mas grandes problemas que tenemos hoy en día es el exceso de información.

En la producción de TV su objetivo debe ser no solo aminorar la carga de información sino llegar a la audiencia para comunicar claramente la información seleccionada en una manera clara y entretenida.

Solo podemos retener cierta cantidad de información. Hay que recordar que el público promedio está sujeto a distracciones internas y externas, tiene ideas preconcebidas, etc., que obstaculizan el proceso de comunicación. Si el guión contiene muchos datos, o la información no es adecuadamente presentada, el espectador se sentirá confundido, perdido y frustrado -- y simplemente cambiará a otro canal.

Perdido vs. Aburrido

No solamente importa cuanta información se quiere comunicar, sino además el ritmo de presentación. Se necesita dar al espectador una oportunidad para procesar cada idea antes seguir al próximo punto. Si se va muy rápido, se pierde la audiencia; muy lento y se aburrirán.

El mejor método de presentar información esencial en una producción instruccional es anunciar al espectador que algo importante viene a continuación. Luego presentar la información lo mas claramente posible. Y, finalmente, reforzar el punto a través de la repetición o con un par de ilustraciones.

En resumen, aquí están siete reglas generales que debería recordar cuando escriba para televisión. Algunas de estas se aplican a producciones instructivas, otras en realizaciones dramáticas y otras más en ambas.

Asuma un estilo conversacional usando oraciones cortas y un estilo coloquial.
Llegue a su audiencia por la ruta emocional; haga que se preocupen por la gente y la temática de la producción.
Plantee una estructura lógica adecuada; permita a los espectadores saber hacia dónde se diriges, qué puntos son conceptos claves y cuándo va a cambiar el tema.
Después de presentar un punto importante, expláyese en el, ilústrelo.
No intente dar demasiada información en un solo programa.
Dé a la audiencia la oportunidad de asimilar un concepto antes de pasar al siguiente.
Establezca el ritmo de la presentación de acuerdo a la habilidad del público objetivo para asimilar la información.

Hay quienes opinan que, a diferencia de la escritura, el video y el cine no poseen una gramática estandarizada (por ejemplo convenciones o estructuras). Aunque el video se ha alejado de la gramática establecida por el cine, aún en esta era MTV podemos usar varias técnicas clásicas para dar forma a nuestras producciones.

En producciones dramáticas las disolvencias lentas (donde dos fuentes de video se sobreponen momentáneamente durante la transición de una a otra) usualmente señalan un cambio en tiempo o espacio. Los Fade-ins y fade-outs, que se aplican tanto a audio como a video, pueden asemejar el comienzo o el final de los capítulos de un libro. Un fade-out consiste en una transición de dos o tres segundos desde la señal hacia el negro o el silencio. Y, por supuesto, un fade-in es lo opuesto.

Fade-ins y fade-outs usualmente señalan un cambio o división importante en la producción, como un paso de tiempo. (Pero, "usualmente" es un término diferente a "siempre").

Tradicionalmente, los teleplays (dramas para televisión) y los screenplays (drama para cine) comienzan con un fade in y cierran con un fade out.

Un número de términos y abreviaturas son utilizados en la elaboración de un guión.

Cuando la cámara completa se mueve aproximándose o alejándose del sujeto se denomina como dolly. Un zoom, que es una versión óptica del dolly logra un efecto parecido. Una anotación del script puede decir "zoom in hasta close-up de John", o "zoom out muestra que John no está solo". Cuando un movimiento lateral es necesario se utiliza el término truck.

Los Cortes son transiciones instantáneas de una fuente de video a otra. Puesto en términos gramaticales, las tomas pueden asemejar oraciones donde cada una es una afirmación visual.

cover shot, plano master, o plano de establecimiento son designaciones para un plano general (PG) o un plano largo (PL) - también llamado Long Shot. Este tipo de encuadres dan a la audiencia una orientación básica de la ubicación de una escena -- quien está parado dónde, etc. -- para entonces pasar a encuadres más cercanos.

Por la resolución relativamente baja del sistema NTSC de televisión estas son visualmente débiles, simplemente porque los detalles importantes no son fáciles de reconocer. El cine y la HDTV/DTV no tienen este problema.

Los Planos Abiertos pueden ser mantenidos apenas durante el tiempo necesario para orientar a la audiencia sobre la relación de los elementos escénicos. Después, pueden ser usados como recordatorios o para actualizar los cambios en la escena.

Plano Medio Largo o MLS-medium long shot o FS (full shot). Aplicado a personas , esta es una toma desde el límite de sus cabezas a sus pies. Cuando se aplica al talento el MS o Plano Medio (PM)es normalmente una toma de la cintura para arriba.

En una persona el MCU (medium close-up) es un encuadre recortado entre los hombros y la cintura.

Un perfecto CU es lo mas adecuado para entrevistas. El cambio de expresiones faciales, que son importantes para comprender una conversación pueden ser vistas fácilmente. Los Close Ups o Primeros Planos (PP)son también comúnmente usados para insertar encuadres de objetos cuando es necesario mostrar detalles importantes.

Los XCUs son close-ups extremos también conocidos como Primerísimo Primer Plano o PPP. Aplicado a personas este tipo de toma debe usarse para causar impacto dramático. El XCU muestra solamente los ojos y la boca de un individuo. En el caso de objetos un XCU es a menudo necesario para revelar sus detalles.

El two-shot o three-shot (también 2-S y 3-S) designa un encuadre de dos o tres personas en una escena.

El término toma subjetiva indica que la audiencia (la cámara) verá lo que los personajes ven. Normalmente se utiliza una cámara en mano que se mueve mientras camina o corre mientras sigue a un personaje. Los encuadres de cámara subjetiva pueden aumentar drama y frenesí a las escenas de persecución.

Los ángulos de cámara también son acotados algunas veces en los guiones. Incluyendo una aérea, un picado, a nivel de ojo o un contrapicado.

Aunque el guionista suele indicar encuadres y ángulos de cámara en el guión, esta es un área dejada al mejor juicio del director. Aún así, en guiones dramáticos términos como la cámara encuentra indica que la cámara se mueve en una porción particular de la escena; la cámara sigue indica que la cámara se mueve con una persona u objeto; ángulo inverso indica un cambio de casi 180 grados en la posición de la cámara; y "el encuadre se amplia" señala un zoom o dolly back.

Adicionalmente a estos términos básicos del guión, existe un número de abreviaturas usadas en la elaboración de guiones.

EXT e INT son designaciones comúnmente usadas en guiones cinematográficos para indicar locaciones exteriores e interiores.
SOT-sonido-en-cinta (sound on tape). Esto indica que la voz, música o sonido ambiental se origina en la pista de audio de un video.
SOF-sonido-en-film (sound on film).
VTR-videotape (video tape recorder).
VO (voz encima o voice over) se refiere a una narración sobre una fuente de video. También puede referirse a una narración escuchada a un nivel mayor que la fuente de música o sonido ambiental.
OSV-voz fuera de pantalla o voz en Off. La voz indicada en el guión es de una persona que no aparece a cámara.
MIC o MIKE se refiera a micrófono.
POV-punto de vista. Los guiones dramáticos comúnmente anotan que una toma será vista desde el punto de vista de un actor en particular.
OS toma sobre el hombro (over shoulder). El encuadre muestra la parte trasera de la cabeza y hombro de una persona. (También es designado como O/S y X/S shots.)
LOC-se refiere a locutor.
KEY-La sobre posición electrónica de títulos y créditos sobre un fondo de video.
SFX o F/X se refiere a efectos especiales. Estos pueden ser de audio (audio FX) o video, efectos que alteran la realidad y son creados en el proceso de producción.

Con esta descripción básica podemos pasar a algunas consideraciones "de fondo"

Desafortunadamente, las cosas buenas de la vida no son siempre gratis. Esto es especialmente cierto en programas de televisión que, como hemos afirmado pueden llegar a costar más de un millón de dólares la hora.

Aunque usted tenga una gran idea para un guión - ¡esa que seguro lo hará famoso! -- a menos que pueda conseguir el dinero para producir, se quedará tan solo como...una gran idea.

Así que lo primero que tendrá que enfrentar es el cálculo de cuánto va a costar producir esa obra maestra.

Aún si no le interesa producir, per se, mientras mejor comprenda este capítulo, mayores serán sus oportunidades de éxito. ¿Para que perder tiempo pensado en grandes que tienen pocas posibilidades de ser producidas?.

Y tome en cuenta que ninguna compañía productora - por lo menos ninguna que espera mantenerse en el negocio por algún tiempo ? se comprometerá a realizar una producción sin saber cuánto puede costar.

En primer lugar, y especialmente para producciones complejas, los gastos pueden ser divididos en categorías. Es usual pensar en los costos distribuidos en dos grandes áreas: sobre-la-línea y bajo-la-línea.

Aunque la "línea" mencionada puede ser a veces algo borrosa, los gastos sobre-la-línea generalmente se refieren a los elementos de realización y producción: Talento, guión, música, servicios de oficina, etc.

Los elementos físicos (sets, estructuras, maquillaje, vestuario, gráficas, transporte, equipo de producción, estudio e instalaciones y edición)
El personal técnico (personal de estudio, personal de ingeniería, operadores de VTR, operadores de audio, y labores generales.

Para financiar certeramente una producción es necesario ir más allá de las designaciones sobre-la-línea y bajo-la-línea y dividir la producción por lo menos en 15 categorías. Un ejemplo de las categorías en una producción mayor serían:

Con la ayuda de una hoja de cálculo u otros software se pueden listar estas categorías y obtener el costo proyectado en cada área. Si además se agrega una fórmula en la hoja de cálculo para generar un gran total, podrá ajustar gastos de acuerdo a las necesidades durante la producción, e inmediatamente ver el efecto en el cálculo total.

Una de las categorías es la renta de equipo. Usualmente es más económico rentar equipo que comprarlo. Existen varias razones.

Primero, el equipo de producción, especialmente cámaras y grabadoras, tienden a obsoletizarse rápidamente. Es posible gastar $70,000 en una buena cámara de CCD's. Si lo hace, debería ser capaz de amortizar el costo después de pocos años de uso.

Si tiene la posibilidad de pagar por una cámara de $70,000 de contado y utilizarla por cinco años, el costo anual sería de unos $14,000 al año, mas los gastos de mantenimiento y reparación.

Aunque la cámara pueda mantenerse y funcionar bien, en cinco o mas años, comparada con los modelos recientes estará indudablemente obsoleta. Incluso puede ser difícil conseguir repuestos para su reparación.

Si el equipo fuese rentado, muchos centros de producción probablemente lo usarían. Esto quiere decir que la compañía arrendadora puede recuperar la inversión inicial mas rápidamente, haciendo posible la actualización constante del equipo con nuevos modelos.

En segundo lugar, cuando un equipo es rentado, la compañía de alquiler es la responsable del mantenimiento, reparaciones y actualizaciones del equipo y no la compañía productora. Si el equipo se descompone durante la producción, la mayoría de las compañías arrendadoras lo remplazarán en un par de horas sin costo adicional.

Cuando se adquiere un equipo, este debe ser depreciado (descontado del impuesto generado) durante un número de años. Algunas veces este lapso de tiempo excede la utilidad práctica del equipo. Esto quiere decir que la compañía puede verse en la necesidad de vender el equipo usado para recuperar algo de su inversión inicial. Usualmente las escuelas obtienen equipo usado gracias a esto, ya que el equipo usado representa deducciones de impuestos.

Los gastos de alquiler pueden ser inmediatamente deducidos de impuestos como parte de los gastos de producción. Aunque las reglas que gobiernan los impuestos sobre ingresos regularmente cambian, la deducción de costos de renta de equipo ha representado para algunas personas un camino rápido y simple (y mejor en muchos casos) para la deducción de impuestos.

Finalmente, cuando el equipo es rentado existe una gran oportunidad de obtener equipo que se ajustará a las necesidades específicas de producción. Una vez que el equipo es adquirido, puede existir la presión de tener que usarlo, aunque a veces otros modelos puedan convenir a necesidades especificas de la producción.

Aún para el consumidor de equipo mas comercial, como DVC, Hi8 o S-VHS, el costo de renta (que puede ser de solo $50 al día) puede tener sentido si solamente va a ser usado durante algunos días.

Una vez que el costo de una producción ha sido calculado, tal vez necesite justificarlo, ya sea en términos de resultados esperados o efectividad de costos (generalmente comparado con los métodos de otras producciones).

Existen tres bases para medir la efectividad de costos: costo por minuto, costo por espectador y costo vs. beneficios medidos.

El costo por minuto es relativamente fácil de determinar; simplemente se divide el costo final de producción por la duración del producto terminado. Por ejemplo, si una producción de 30 minutos costó $120,000 el costo por minuto será de $4,000.

El Costo por espectador es también relativamente simple de calcular; simplemente se divide el costo total de producción por la audiencia actual o anticipada.

Como hemos notado, en el campo de la publicidad, el CPM, o costo por millar es una medida común. Si 100,000 personas ven un programa que cuesta producirlo $5,000, el CPM será de $50. En las bases del costo por espectador esto se convierte en solo cinco centavos por persona.

La última categoría, costo por resultados medidos, es la mas difícil de determinar. Para ello debemos comparar los costos de producción contra los resultados esperados. En la televisión comercial podemos vender 300,000 paquetes de afeitadoras después de transmitir un comercial de 60 segundos. Si nuestra ganancia de 300,000 paquetes fue $100,000 y gastamos $100,000 produciendo y transmitiendo el comercial, tendríamos que cuestionarnos si el anuncio fue una buena inversión.

Por supuesto que, una vez producidos, la mayoría de los anuncios son transmitidos mas de una vez. Esto significa que el costo de futuras transmisiones es únicamente la compra de tiempo de transmisión. Si el costo de tiempo de TV fue $10,000 y vendimos 300,000 paquetes de navajas de rasurar cada vez que transmitimos el comercial, entonces obtendremos una ganancia de $90,000 con cada transmisión, por lo menos hasta que la gente se canse de ver nuestro comercial.

Calcular el retorno sobre nuestra inversión no es siempre fácil. ¿Qué pasaría si además agregáramos anuncios en periódicos y radio, y además colocásemos grandes desplegados a color de navajas de rasurar en los puntos de venta? Para determinar el efecto de la publicidad en las ganancias deberíamos tomar todos los costos en conjunto. Pero entonces se hace difícil determinar la efectividad de costos de cada medio.

La "retribución" en otros tipos de producciones puede ser aún más compleja de determinar. ¿Cómo cuantificar el retorno de inversión de un anuncio de servicio publico creado para convencer a los espectadores que dejen de fumar, mantener limpios el aire y el agua o de abrocharse el cinturón de seguridad?

Aún si se elaboran encuestas antes y después para medir los cambios de comportamiento en el público en asuntos como esos, puede ser prácticamente imposible establecer la influencia de un anuncio de servicio público particular de otras fuentes de información que el público regularmente encuentra sobre estos temas.

elaboran encuestas antes y después para medir los cambios de comportamiento en el público en asuntos como esos, puede ser prácticamente imposible establecer la influencia de un anuncio de servicio público particular de otras fuentes de información que el público regularmente encuentra sobre estos temas.

El productor es, por supuesto, el principal interesado en estas cuestiones; además de otras consideraciones arriba de la línea como financiamiento, selección de actores principales o talento, coordinar la publicidad y guiar el proyecto en general.

Mas allá de este punto, el director toma el control todos los detalles de producción y post-producción.

Con la mayoría de los asuntos de pre-producción cubiertos, el paso siguiente es reconocer algunas de las herramientas que estaremos usando en el proceso de producción.

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